ENTREVISTA A CHANGO SPASIUK “La música es como el pan de un pueblo” Acaba de lanzar "Tarefero de mis pagos", su último disco después de cuatro años. En 2004 se editó en Europa, donde en marzo ganó el premio revelación de la BBC en World Music. En su casa de General Rodríguez, este músico apasionado y virtuoso del acordeón, reflexiona sobre los espacios de música folclórica y critica la fusión de la música popular: “una mezcla surge de la inseguridad sobre la propia historia”. 1– ¿Por qué tu último disco salió antes en Europa? Porque es mi primer disco europeo. Había sacado el compilado “The charm of the chamamé”, pero era con temas de “La ponzoña”, “Chamamé crudo” y “Polcas...”. Pero no tenía ningún disco fuerte y con un grupo de gente con el que pueda empezar a hacer un trabajo intenso en Europa. No es que el objetivo de toda mi vida fue ir a tocar en Europa. Simplemente era la necesidad de tener un espacio en el cual desarrollar, encontrar gente que esté interesada en producirme un disco, en darme un espacio para tocar, dentro de los códigos que para mí son importantes para tocar. Y después sí apareció un desafío, un interés y un montón de cosas que no me sucedían acá. 2– ¿En la Argentina no existe esa posibilidad? Traté de arreglármelas, a mi manera, sin un disco nuevo de seguir en contacto con el circuito en la Argentina. Aunque ese circuito cambió mucho, indudablemente. No es el circuito que era a principios de los 90 o fines de los 80. Un espacio de música folclórica en donde se habla de un interés real del folclore, pero cuando sube Yupanqui la gente hace más ruido abajo, y Yupanqui dice: “Discúlpenme, yo no me puedo imponer a los gritos…”. Digamos que es un espacio que ha cambiado, donde la música perdió muchos sentidos y adquiere casi el sentido del entretenimiento. Los lugares se han vuelto muy masivos, con mucha presencia en los medios pero el contenido que se ve siempre es bastante limitado. Entonces, realmente, entre poner una energía y una lucha ensangrentada de ver cómo me podía mantener en ese escenario más tiempo tocando, prefería poner esa energía en tocar, lo que para mí es importante, y en desarrollar mi música. 3– ¿A qué atribuís ese cambio? De hecho, mucho de lo que sucede en un concierto de música es mucho de lo que nos sucede a nosotros como país. Entonces, a veces los conciertos sí son momentos en los que uno se quiere divertir, pero a veces la música puede ser una oportunidad para muchas más cosas que esa, y otras lecturas que son mucho más profundas. Esos espacios deben respetar todas esas formas de acercarse a la música; y no solamente plantear una sola forma y esa tomarla como única y válida. Los resultados después, lo que se ve, son bastante pobres. Y creo que se nivela siempre para abajo con esas reglas de juego. 4– ¿Cómo componés? Componer es como amasar el sonido guiado por el instinto. Todo está movido por el sonido, todo es vibración; y es un misterio por el cual el hombre responde al estímulo
del sonido. Y si uno trata de estar cerca de ese misterio se da cuenta que no importa si uno es de la ciudad o del campo, si uno es un intelectual o no, si lo que uno está escuchando está considerado vanguardia o está considerado tradición. Hay algo que puede suceder o no, pero que uno se tiene que predisponer. Un poco mi búsqueda es esa. Es medio complicada para vender los discos después... 5– ¿Y usás los mismos criterios para escuchar música? El escuchar también tiene muchas capas. Alguien que escuchó mucho de chamamé, obvio que va escuchar y va a decir: "este toca bien, toca mal". En la gente que puede tocar bien o mal, también hay una intención. Y eso se puede percibir, aunque sea en una grabación. Eso es escuchar desde otro lugar: hasta dónde el sonido es sonido y hasta dónde ese sonido puede ser como un alimento. La música es como el pan de un pueblo. Como un cuerpo se fortalece con el alimento físico, la música es un tipo de alimento más sutil. Puede llegar a serlo o no, pero hay que tomarla como todo lo que es, no como una parte. Entonces nosotros dejaríamos que fragmentar las cosas y tomaríamos toda esa diversidad como país que somos: aceptar otras formas de belleza, otras formas de diversión, legitimar todo eso. Un disco es un disco, pero también puede ser una herramienta de comunicación. 6– ¿No te molesta que llamen World Music a lo que hacés? No, el World Music es un circuito. Estamos lejos…, ¿qué, vamos a esperar que haya un mercado de chamamé? Estamos, con suerte, a 50 años de que eso suceda. Y esta es una música del mundo que tiene su propia historia, su propia raíz y un lenguaje definido. Bueno, de mí depende de que yo me encargue de aclarar eso. Y para eso, obvio, que hay que tener qué decir y cómo decirlo… Yupanqui dice que cada uno se tapa hasta donde le alcanza la cobija. 7– Con tanta fusión, ¿no se pierde un poco el sonido local? Acá, en la Argentina es tan histórica la subestimación de nuestras músicas que siempre se ha creído que lo que es no alcanza, no vale tanto la pena. Entonces hay que mezclarlo con un poquitito de jazz. Y hay pianistas y un montón de músicos que le ponen acordes de Bill Evans a la chacarera y creen que eso se llama desarrollo. De esa manera sí vale la pena ser presentado. Eso no es desarrollo, eso es una mezcla que surge a partir de la poca seguridad que se tiene sobre la historia de tu música y sobre ese lenguaje. 8– ¿Y por qué creés que sucede esto? Bueno, esa es una cosa muy nuestra, muy de nosotros. Yo no sé si es posible que de la noche a la mañana, a nivel colectivo, todo el mundo tenga una claridad y empiece... Pero tampoco voy a esperar que eso suceda. Tampoco quiere decir que esté haciendo una gran revolución ni nada... Lo mismo sucede con mucha gente. No hay que mezclar…la inseguridad, entonces le pongo todo esto para ser aceptado. No se trata de ser aceptado, simplemente se trata de compartir. Después, hay que tocar, hay que vender discos, hay que vivir, hay que trabajar, okey. Pero todo eso puede ser una consecuencia de otro tipo de búsqueda, de buscar algo más trascendente. Entrevista: Marcela Mazzei Fotos: Ary Kaplan Nakamura