SIGLO XIX. CONCEPTOS

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					SIGLO XIX. CONCEPTOS

NEOCLÁSICO: Estilo artístico inspirado en las formas del arte clásico que se
desarrolló a finales del siglo XVIII y principios del XIX en Francia, ligado al estilo
imperio y al arte napoleónico. Se extenderá después a otras zonas como Alemania o
España. Reproducía las formas solemnes y graves del arte grecorromano, aunque nunca
se desprendió de una cierta frialdad y un academicismo1 muy peculiar. A diferencia del
Renacimiento que basa su estilo en las bases teóricas del arte clásico, el neoclásico es
una simple copia que no supone la búsqueda de nuevas formas de expresión, sino más
bien una fuerte oposición del arte anterior: barroco y rococó. En arquitectura se
reproducen pórticos clásicos en edificios de todo tipo, desde iglesias como en la
Madelaine de Paris obra de Soufflot hasta en edificios civiles como la Gliptoteca de
Mucnich obra de Klenze. Las esculturas de mármol blanco recuerdan posturas de gestos
propios de dioses romanos como Paulina Bonaparte o Napoleón obras de Canova, en un
intento de relacionar el poder de Napoleón y su momento de gobierno con el de los
grandes emperadores romanos. En pintura el modelo a seguir es el de la estatuaria
griega y romana para conmemorar los ideales revolucionarios como en el Juramento de
los Horacios del pintor David.

   El mejor ejemplo de este estilo en España es el Museo del Prado de Juan de
Villanueva, en cuyo exterior destacan las columnas clásicas y las hornacinas decoradas
con esculturas. Merece especial mención también la puerta de Alcalá de Sabatini
inspirada en un arco del triunfo romano.

ROMANTICISMO: Movimiento artístico y cultural que en la primera mitad del siglo
XIX reaccionó vivamente contra el academicismo reinante y sobre todo contra el
neoclásico, dirigiendo su atención a otro tipo de temas, especialmente los relativos a la
Edad Media y al pasado nacional. En realidad, el Romanticismo representa un
movimiento general en toda Europa que primaba el desarrollo de los sentimientos y del
individualismo sobre la razón y la voluntad del autodominio. Su desarrollo está ligado
al periodo histórico de la aparición de los sentimientos nacionalistas y la idea de que
cada nación debe disponer libremente de su destino.
  El centro neurálgico del movimiento artístico fue Francia, donde el romanticismo
pictórico introdujo definitivamente en el arte la valoración del color y la materia por su
potencia sugestiva por encima del dibujo y de la forma, enlazando con los valores de la
pintura barroca. Esta importancia del color hace aparecer luces vibrantes. Las
composiciones se vuelven dinámicas marcadas por posturas y gestos dramáticos. En
Francia los mejores representantes del estilo son Gericault en obras como la balsa de la
Medusa y Delacroix en La libertad guiando al pueblo. En Inglaterra destacan paisajistas
como Constable o Blake. En España destacan entre otros Rosales en el testamento de
Isabel la Católica y Casado del Alisal con la rendición de Bailén.




Forma de pintar que se atiene a normas consideradas como clasicas. Se dice asi de un trabajo correcto canonico pero falto de inspiración
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fidelidad formas y temas tradicionales


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Comentario Balsa de la Medusa

Su historia fue censurada por el gobierno y ocultada para evitar el escándalo que
supondría la negligencia de la fragata "de la honrosa marina francesa" y el vínculo del
capitán con el gobierno conservador. El gobierno impidió que se conociera en prensa.
Géricault realizó este cuadro para dar a conocer el hecho, y tras dos años de prohibición
con su exposición al público se causó efectivamente un grave escándalo social. Los
personajes componen toda una galería de las expresiones posibles, desde la
desesperación más absoluta del anciano que da la espalda al barco, pasando por los
primeros atisbos de la esperanza, hasta llegar al entusiasmo desbordado de los hombres
que agitan sus camisas al horizonte. La visión es completamente dantesca con la balsa
medio deshecha por el oleaje: los cuerpos de los muertos, putrefactos, mutilados,
desperdigados por la balsa...

La composición de este cuadro es muy compleja. Una diagonal maestra parte de los
náufragos estáticos y se extiende progresivamente hacia la derecha con un aumento de
las reacciones con un creciente movimiento hasta culminar en otros que agitan sus
camisas. El cadáver y la vela forman a su vez una diagonal de carácter secundario. Se
produce un énfasis en el elemento material mismo.

Ante los ojos del espectador, solamente desfilan la "galería de expresiones humanas"
que componen las obra; no hay "obstáculos" que medien entre él y el acontecimiento
representado (tales como el artista, la técnica o los materiales empleados). La
combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con extremado
reaslismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los detalles desataron
una tormentosa controversia entre los artistas de tradición neoclásica y los que tenían
una opinión diferente sobre los temas que debía tocar la pintura. Géricault rompió en
este cuadro con todas las reglas del neoclasicismo, excepto las de la composición.

Este cuadro busca producir una sensación de catarsis y de conmoción entre el público.
Retrata     a    escala     heróica    el     sufrimiento    de     la     humanidad.
Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de
aislamiento y vulnerabilidad dando una expresión sobrecogedora. Esto para Géricault y
otros pintores románticos constituía la esencia de la condición humana. La luz y la
composición, muy estudiada, tienden a dar una vigorosa impresión del dolor humano.

Para poder representar esta obra, Géricault se informó acerca de todo lo referente a los
muertos, moribundos y locos para conseguir, tanto la expresividad sobrecogedora que
logró en las caras de los personajes como las tonalidades de la piel. Se puede apreciar,
en esta obra, que se va ascendiendo desde la muerte, situada en lo más bajo de la balsa a
la vida en la agrupación de hombres buscando la vida.

La Balsa de La Medusa fue el cuadro insignia del movimiento romántico francés, por su
tono apasionado y tétrico, con el hombre desconocido como protagonista absoluto de la
historia. Este óleo sobre lienzo (491x716cms) se conserva en el Museo Nacional del
Louvre, Paris, Francia.

Théodore Géricault nació en Ruan (1791) y murió en París (1824). Fue la figura
principal del romanticismo francés. Hizo numerosos bocetos y estudios previos sobre
cadáveres y restos humanos sacados de cementerios y ejecuciones públicas. Estudió


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pintura en dos estudios de pintores de la época. LLevó las tendencias dramáticas y
coloristas y cambió el sentido heróico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento.
Su ideología liberal se reflejará en muchos de sus dibujos y obras. Estuvo en Italia y
Londres, donde realizó obras en la que refleja el ambiente de pobreza de la ciudad y
pinturas de caballos y carreras hípicas. Cuando murió estaba trabajando en una serie de
retratos de enfermos mentales. Hay un interés general de los pintores románticos por los
trastornos psíquicos.

Comentario de Libertad guiando al pueblo. Delacroix (libro de texto)

Lluvia, vapor y velocidad de Turner

La obra emblemática de Turner fue presentada en 1844 a la Royal Academy de
Londres, consiguiendo una excelente impresión entre el público londinense. El cuadro
fue pronto grabado para convertirse en una de las primeras escenas de Turner conocidas
en Francia donde tuvo una gran influencia, especialmente entre los impresionistas como
Monet, también interesado en representar escenas con locomotoras. La verdadera
protagonista de la composición es la luz que se filtra a través del agua de la lluvia. La
luz, el vapor y la velocidad forman un cóctel perfecto para que el maestro londinense
nos muestre sus queridos efectos atmosféricos con los que consigue desdibujar todos los
contornos, incluso el de la propia locomotora. Curiosamente, Turner ha empleado la
locomotora como elementos de representación del vapor y de la modernidad, ya que la
velocidad estaría caracterizada por una pequeña liebre que corre en la zona izquierda de
la composición. Los tonos claros son los habituales en la última etapa de Turner,
empleando también algunos marrones para reforzar el contraste. Las pinceladas son
rápidas y empastadas, adelantándose al impresionismo. Sin duda, nos encontramos ante
una obra singular que anticipa ya la era contemporánea en la que el tren será algo más
que un símbolo.Ruskin remonta el origen de esta composición a un viaje en tren en un
día de tormenta, en el que el artista asomó la cabeza por la ventanilla.El puente no es
otro que el viaducto de Maidenhead, que cruza el Támesis entre Traplow y Maidenhead,
en la línea Great Western recién inaugurada a Bristol y Exeter. Este viaducto se inició
en 1837 y se finalizó dos años después, siendo el diseño de Brunel. Su construcción fue
motivo de encendida construcción y los técnicos del Great Wetern Railway
diagnosticaron que se caería. La vista está tomada hacia Londres y el puente que se
contempla a la izquierda es el de la calle Taylor.La diagonal que organiza la
composición es una influencia de Claudio de Lorena, utilizando esa diagonal para
dirigirnos desde el primer plano hacia el punto de fuga.


La obra maestra de Courbet es el Entierro en Ornans, donde transmite con el
máximo realismo posible un funeral - posiblemente el de su propio abuelo materno - al
que asiste toda la comunidad, desde los representantes del ayuntamiento hasta las
plañideras oficiales, pasando por los hidalgos y la familia del pintor. Incluso un perro
perdiguero no quiere perderse el evento y se presenta en primer plano. Por comentarios
del propio pintor sabemos que toda la población de Ornans, su pueblo natal, quiso posar
para el cuadro, resultando un conjunto de casi 40 personajes a tamaño natural
representados con enormes dosis de veracidad. Se puede decir que esta obra es un
panfleto del nuevo estilo artístico defendido por Courbet considerado como un arte
científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, progresista y social,
cuya única fuente debía ser la observación directa del natural. Las figuras forman un


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grupo compacto y se recortan sobre las planas montañas de la localidad, representadas
en diversas actitudes y posturas, siendo una de las mejores galerías de retratos de la
historia del arte. Las tonalidades empleadas son bastante oscuras, siguiendo el
cromatismo de los cuadros barrocos españoles y holandeses que había contemplado en el
Louvre durante su juventud. El estilo de Courbet es muy seguro, dominado por un
poderoso dibujo y un acertado estudio lumínico ligeramente inspirado en Caravaggio.
Desgraciadamente empleaba mucho betún para las tonalidades negras, lo que provoca
problemas de conservación en sus lienzos. Esperando obtener un sonoro triunfo en el
Salón de París - como ya había ocurrido un año antes al conseguir una segunda medalla
- presentó su lienzo pero recibió sonoras críticas y sólo alguna que otra alabanza,
especialmente de los jóvenes pintores.




La arquitectura del siglo XIX

La historia de la arquitectura hasta el S. XIX está condicionada por los materiales y las
técnicas que se utilizaban. En efecto, el cerramiento de la construcción condiciona tanto
la estructura desde sus elementos sustentantes hasta sus mismas dimensiones.



     Con la utilización sistemática del hierro, el cemento y el vidrio la construcción
cambia radicalmente de aspecto, de tamaño y de funcionalidad. También se produce la
implicación e incluso los conflictos entre la ingeniería y la arquitectura pues las obras
públicas y los arquitectos utilizan las mismas técnicas y materiales.

      Los espacios y la concepción de la arquitectura varían ya que se producen
superficies de gran amplitud (llegando a perderse la sensación de interior) y se diluye la
separación del espacio interior y el exterior (al cerrarse frecuentemente las paredes de la
construcción con vidrio).

HISTORICISTA O NEOGOTICA: Tendencia arquitectónica del siglo XIX basada en
las evocaciones del pasado gótico por su capacidad para expresar mejor que ningún otro
estilo el ideal de Romanticismo. La arquitectura historicista es generalmente poco
valorada por su falta de originalidad, ya que se caracteriza por imitar los estilos del
pasado. No se limita sin embargo a copiarlos, sino que utiliza su lenguaje estético en los
nuevos edificios. Por otro lado, la arquitectura historicista es, con gran diferencia, la
más difundida durante el siglo. Sus numerosas modalidades tanto de historicismos puros
como eclécticos(neogótico en las iglesias, neoclásico y neobarroco en edificios
administrativos y museos, neoegipcio en cementerios, etc.), componen lo esencial del
paisaje urbano en las nuevas ciudades en crecimiento. La difusión de los historicismos
en el siglo XIX se explica tanto por la incapacidad de desarrollar una arquitectura
original como por la necesidad que sentían las nuevas instituciones y las nuevas clases
dominantes de ennoblecerse con el prestigio de las formas arquitectónicas del pasado.


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Su mejor representante fue Viollet-Le Duc, que analizo matemáticamente la teoría
constructiva gótica y fue el restaurador de Chartres, Reims o Notre-Dame.

ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL: Tendencia arquitectónica del siglo
XIX, que surge a partir de la aplicación de estos nuevos materiales a las obras. El primer
ejemplo de esta arquitectura se vio en la exposición universal de Paris: el palacio de
Cristal de Paxtón. La originalidad de la obra radica en estar totalmente realizada en
hierro y vidrio, y en la fabricación en serie de sus elementos (montantes, vigas de hierro
y planchas de vidrio). La prefabricación permitió que la edificación se redujese a un
simple montaje y que éste se concluyese en seis meses. Cumple así una de las
exigencias de esta arquitectura: funcionalidad y rapidez en el montaje.

Las obras de este estilo eran preferentemente realizadas por ingenieros o personas de
otras profesiones (Paxton era horticultor), porque los arquitectos no lo consideraban
arquitectura. Entre éstos estalló una fuerte polémica en torno a los valores de los nuevos
materiales. La discusión discurría sobre si la arquitectura en hierro reunía valores
estéticos además de los funcionales, reconocidos por todo el mundo. A partir de aquí las
divergencias se encaminaron también hacia el campo de la arquitectura en general,
preguntándose qué debía predominar en este arte, si la estructura o la decoración.

         Por último, hay que constatar la fuerte influencia que ejerció la arquitectura en
hierro en las corrientes constructivas posteriores. Así, la Escuela de Chicago adoptó su
sistema de construcción por esqueleto y, por otro lado, la Bauhaus recogió su idea de
prefabricación de los elementos.

Torre Eiffel

En año1889, París celebraba el centenario de la revolución francesa con la consecuente
caída de la monarquía, y la Exposición Universal, por lo que decidieron dejar
impresionados a los demás países. Esta torre no tenía una función determinada o
definida, simplemente estaba para asombrar y para demostrar las inmensas posibilidades
de la civilización industrial.

Se le encargó a un afamado arquitecto que construyera algo que asombrara al mundo
entero, y se le ocurrió una guillotina gigante, proyecto que gracias a dios, alguien
rechazo, y convocaron un concurso, al que se presentaron muchos ingenieros y
arquitectos. La única norma del concurso, era que fuera algo que rompiera moldes.

El proyecto que se alzó ganador, fue el de Gustave Eiffel, que financió además la
construcción, pero los verdaderos "padres" de la torre, fueron dos ingenieros que
trabajaban para él, Koechlin y Nouguier, que cayeron en el más profundo anonimato a
favor de Eiffel que además dio nombre al proyecto. Las obras de la torre empezaron en
1887, y acabaron el año de la Exposición, para ser inaugurada el 31 de marzo de 1889,
con una bandera obviamente francesa, ondeando arriba del todo, y fue abierta al público
el 6 de mayo de ese año.

En la construcción de la torre, intervinieron alrededor de 200 obreros, que tenían un
riego de accidente demasiado alto, ya que la estructura era abierta, a excepción de las
dos plataformas, pero Gustave Eiffel, tomó las precauciones que exigía el osado
proyecto, entre las cuales incluyó el uso de arneses, y solo uno de los obreros falleció,


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cuando instalaba uno de los elevadores.

En principio estaba previsto que la torre alcanzara al altura de 350 metros, pero los
vecinos de los alrededores de la ubicación que eligieron para la misma, vieron
demasiado peligro de derrumbe con esa altura, por lo que se manifestaron, y
consiguieron un cambio de planes, en los que la torre se rebajaría 50 metros.

En el siglo XIX, el hierro, que desde la antigüedad viene utilizándose como
complemento de la arquitectura, por ejemplo en grapas, va a utilizarse como material
para construir. Se trata de hierro colado que sustituye a la forja. Esto tiene su
explicación, en que hasta el siglo XVIII no se obtiene un hierro de calidad, suficiente
como para utilizarlo en la construcción.

La base son cuatro arcos que descansan sobre cuatro pilares.

ESCUELA DE CHICAGO: La arquitectura americana sigue hasta la segunda mitad
del siglo XIX las pautas dictadas en Europa; pocos años después, la necesidad de planes
de desarrollo para sus ya crecientes ciudades y la ausencia de paisaje urbano en la
mayoría de ellas dan más libertad en la aplicación de las nuevas soluciones
arquitectónicas. La importancia de este estilo radica en que son los propios arquitectos
los que emprende la renovación. Un claro ejemplo es la reconstrucción de Chicago,
arrasada por un incendio en 1871. Es aquí donde nace la llamada Es cuela de Chicago.
A este estilo corresponde los almacenes Carson, Pirie & Scott la última gran obra de
Louis SULLIVAN. Para su realización se ha utilizado la construcción celular, basada en
la repetición de un módulo cuantas veces sea preciso, bien en anchura como en este
caso, o bien en altura, lo que daría lugar a los rascacielos, símbolo de las grandes urbes
y alternativa funcional. Respondiendo al racionalismo que propugna la Escuela, hay que
destacar la simplicidad de la obra, casi carente de ornamentación. Se quiere evitar a toda
costa el eclecticismo y el camuflar la fachada bajo diseños que no corresponden a la
función del espacio interno, rechazando de ese modo el historicismo. Como
consecuencia, la belleza plástica del conjunto viene dada por las necesidades y
funciones del edificio. De esta forma la Escuela de Chicago será la que abra las puertas
a la arquitectura del siglo XX.


ARTS AND CRAFTS :El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas
del siglo XIX como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado
en Inglaterra a lo largo de esa centuria. Su traducción es Artes y Oficios, ya que
pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas,
integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello. Su principal promotor
fue William Morris que resumio esta arquitectura en los siguientes principios

   •   Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos
       útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
   •   Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de
       la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
   •   Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el
       neogótico) como en las artes aplicadas.
   •   Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño.
       Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.


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   •   Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el
       modelo medieval de trabajo colectivo.
   •   Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y
       para el cliente.



EL ART NOUVEAU O MODERNISMO: A caballo entre dos siglos, el Art Nouveau
(1890-1910) logró la renovación buscada a lo largo del siglo XIX, consiguiendo definir
un nuevo estilo. Su denominación implica la idea básica que engloba el término:
modernización, innovación, novedad, proyección hacia el futuro, rechazando el pasado
e intentando cambiar la sociedad y, por tanto, la vida. Esta voluntad la tenian grupo de
artistas (artesanos, diseñadores, arquitectos, pintores, escultores, etc.) e intelectuales que
sentían el arte como un valor absoluto capaz de transformar a las personas
despertándoles la sensibilidad. Es tos artistas consiguieron crear un nuevo lenguaje
artístico en los países industrializados, gracias al desarrollo de los medios de
comunicación (revistas de arte y de moda, diarios) y exposiciones. Este movimiento
estético, típicamente urbano, buscaba unas formas más refinadas que las ofrecidas por la
producción industrial, tratando de compaginar utilidad y belleza en un intento de crear
una ciudad agra dable, elegante, moderna y alegre. Esta revolución artística fue efímera.
Sus planteamientos elitistas y utópicos —no querían representar el mundo real, sino
expresar la realidad de una forma simbólica— no atrajeron a la burguesía y mucho
menos al proletariado.

Gaudí y su obra

 El modernismo es la reacción más fuerte y enérgica contra el amaneramiento decadente
del neoclásico. Es toda una revitalización del arte tanto en los niveles plásticos como
literarios o musicales. Busca un esencial acercamiento a la naturaleza y se encuadra
dentro de la estética simbolista que predominaba en Europa. Recoge formas medievales,
nórdicas e incluso orientales.

Motivos como las mariposas, las flores, la mujer y en general todo lo curvilíneo
decorativo y romántico van a ser los imperativos de su ornamentación. También revela
un desconocido entusiasmo por la policromía en sus formas de vidrio, cerámica, pintura
etc. No desdeña los nuevos materiales (hierro y cemento), pero trata de adaptarlos a la
sensibilidad moderna cubriéndolos con materiales mas finos y decorativos.

No es por tanto un arte funcional, aunque trate de cubrir las necesidades con perfección.
Pero en esencia es una arquitectura atrevida y fantástica en la que predomina la
imaginación sobre la concepción utilitarista.

El genial creador de esta escuela fue Antonio Gaudí (1852-1926), que inspirado en las
teorías estéticas de Rushkin y en los ensayos de Viollet-le- Duc intenta “resumir y
superar” el gótico, acercándose a la naturaleza en un esfuerzo supremo por crear una
arquitectura a la par lógica y viva, racional y sensible. En una primera etapa comienza
un acercamiento a los estilos árabes y gótico (Casa Vicens), como era corriente entre los
arquitectos de su época, pero pronto comprendió la limitación de este criterio y
desbordo estos principios con su fecunda e inagotable imaginación. Incorporó a la



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arquitectura elementos diversos e inverosímiles, como flores, nubes, olas, huesos,
escamas…

Casa Milá. La Predrera 1906-1907

Localizada en el número 92 del Paseo de Gracia en el distrito del Ensanche de
Barcelona, la casa fue edificada por encargo del matrimonio Roser Segimon y Pere
Milà.

El edificio, por lo innovador, es una típica obra gaudiana en la que las líneas
geométricas son solo rectas formando planos curvos. Toda su fachada está realizada en
piedra natural, salvo la parte superior que está cubierta de azulejos blancos. La
combinación de la piedra y de estos azulejos blancos evoca una montaña nevada. En la
azotea se encuentran grandes salidas de escalera y chimeneas, estas últimas recubiertas
de fragmentos de botellas y con la apariencia de cabezas de guerreros cubiertas por
yelmos. En la fachada vuelve a intentar una nueva aventura de formas naturales. Parece
como si la piedra temblara bajo la mano de Gaudí. Es una arquitectura viva y dinámica
que no admite convencionalismos ni repeticiones. Cada piso, cada ventana, cada balcón
es de forma diferente al inferior. Pocas veces la arquitectura ha llegado a estos límites
de fantasía creadora.

Es de destacar la belleza del hierro forjado de sus balcones, que simulan plantas
trepadoras. Posee un total de cinco plantas, más un trastero diáfano realizado en su
totalidad con arcos catenarios y la mencionada azotea, así como los dos grandes patios
interiores y varios más pequeños.

Planta muy original con dos escalinatas centrales y una aparente anarquía espacial que
no se deja introducir en los estrechos limites geométricos. La fantasía y lo anormal
parecen la regla, pero en el fondo todo esta calculado hasta en sus mínimos detalles para
que la vivienda resulte lo mas confortable y humana que sea posible.

En la actualidad el edificio es propiedad de una caja de ahorros, que ha efectuado
continuadas obras de conservación y restauración y la mantiene abierta al público para
su visita, pudiendo visitarse las viviendas de la planta cuarta, el trastero y la terraza;
estando las demás plantas ocupadas por oficinas o todavía por algunas antiguas familias
catalanas.

Parque Güell 1900-1914

Eusebi Güell, empresario, político y miembro de una prestigiosa familia de la alta
burguesía catalana, fue para Gaudí un verdadero mecenas. Gracias a él pudo realizar
varias obras, entre ellas el Parque Güell, donde su creatividad pudo ser desarrollada con
absoluta libertad.

Tres son las construcciones principales del parque :
- La Gran Escalinata que va de la entrada al 'Templo Dórico' , con un medallón circular
que contiene el escudo de Cataluña y , más arriba , el famoso Dragón.
- El llamado 'Templo Dórico' , conjunto de 84 columnas que soportan una gran plaza o
'Teatro Griego' magnífico mirador de la ciudad y centro del Parque.



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- La llamada 'Portería' , edificio de servicios , también de gran belleza, en una entrada
lateral

En esta obra tiene la posibilidad de emplear todos sus recursos técnicos y sus novedades
decorativas. Síntesis de arquitectura, pintura, cerámica y todas las artes plásticas en
general. Es su obra más completa en la que anticipa recursos del expresionismo
abstracto

Sagrada familia

Esta obra fue para Gaudí lo que la famosa tumba de Julio II para Miguel Ángel: el más
grandioso proyecto de su vida que nunca pudo terminar. Consumió más de cuarenta
años de su vida y concretizó una fabulosa visión que la piedra se negaba a subrayar.

En 1883, cuando Gaudí tenía 31 años,cuando recibió el encargo de continuar las recién
iniciadas obras del templo de la Sagrada Familia, tras el abandono de Francesc de Pala
del Villar, a consecuencia de los desacuerdos de éste con la asociación fundacional del
templo. Al hacerse cargo Gaudí del proyecto, lo modificó por entero (salvo la parte ya
construida de la cripta) imprimiéndole su estilo peculiar. Durante los restantes 43 años
de su vida trabajó intensamente en la obra, los últimos 15 años de forma exclusiva. Esta
dedicación tan intensa tiene su explicación, además de la magnitud de la obra, por el
hecho de que Gaudí definía muchos aspectos a medida que la construcción avanzaba, en
lugar de haberlos concretado previamente en sus planos e instrucciones. Por ello su
presencia personal en la obra era de gran importancia.

Durante la Guerra Civil Española quedó destruido en su mayor parte el taller en el que
Gaudí había trabajado, y donde se encontraban sus esbozos, maquetas y modelos. Por
esta causa y por la particular manera de trabajar Gaudí, no quedaron planos ni
directrices acerca de cómo debía terminarse el templo. Por ello, cuando en 1940 se
reemprendió la construcción de la Sagrada Familia, tuvo que definirse en primer lugar
cómo debía procederse, para edificar el templo de la forma más fiel a las ideas de Gaudí

El proyecto era colosal. Iglesia de cinco naves y de cruz latina. Tres inmensas fachadas,
dos en los extremaos del crucero y otra mas alta en los pies con cuatro torres cada una.
Proyecto una gigantesca torre de cimborrio de 170 metros. Parte de una concepción
clasica (cruz latina) y va elaborando, en sucesivos proyectos, unos sistemas de bovedas
radicalmente nuevas. Las columnas se inclinan para recibir los empujes en oblicuo
formando un bosque de columnas

Actualmente hay ocho torres construidas, las correspondientes a las fachadas del
Nacimiento y de la Pasión. El proyecto tendrá un total de 18 torres. Las 12 más bajas,
entre las que se encuentran las ocho ya construidas, corresponden a las tres fachadas, y
están dedicadas a los apóstoles. Cuatro, de superior altura, a los Evangelistas. Sobre el
ábside, de mayor diámetro, a la Virgen María y la más alta que remata todo el templo,
estará dedicada a Jesucristo.El proyecto tendrá un total de tres fachadas: la del
Nacimiento, La Pasión y la Fachada de la Gloria.




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