Danzas Argentinas by MAu9132

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									                                          Danzas Argentinas
La cultura es unidad profunda entre lo recibido y el espíritu. Así, lo que llega al folklore, es lo íntimamente
incrustado en el alma popular, lo decantado, lo acendrado. Todo lo cual tiene a la postre un sello, un cuño,
que denota la incorporación; la fisonomía física típica, inconfundible, de cada expresión folklórica. En esto
reside "lo nuestro" y no en la procedencia de sus elementos. La clave estará dada por su asimilación
funcional a una cultura típica y característica, ya sean aquéllos heredados o imitados y no sólo por su
procedencia local.

                                                                                        Augusto Raúl Cortazar




                                         ¿Qué es el folklore?

En el año 1846, el arqueólogo inglés William John Thoms, acuñó el término "folklore"(folk:
pueblo; lore: saber, ciencia), en todas las lenguas modernas.
La empleo por primera vez el 22 de agosto de ese año, en la revista "El Ateno" de Londres,
para designar con ella el "saber popular", la sabiduría del pueblo no adquirida en las escuelas.
 En esa misma ciudad, se fundó en el año 1878, la primera Sociedad Folklórica de carácter
científico.
Se conceptúa al folklore, como la ciencia que trata de manifestaciones y creaciones
colectivas, producidas en el pueblo y que en él se arraigan.

Tema que abarca: Usos, y costumbres, leyendas y supersticiones, música, danza, canciones,
mitos, dichos, refranes, coplas, cantares, etc.
Para que un hecho sea considerado folklórico, debe ajustarse a una serie de condiciones,
entre las que se destacan dos de primordial importancia.

1º) Que haya sido producido del pueblo en el anonimato, por el aporte colectivo de la gente;
2º) Que haya arraigado en el pueblo, sufriendo la prueba del tiempo.



                                         Conceptos Generales

Eleonora Luisa Benvenuto

Se distingue como Folklore, a todas las manifestaciones espirituales y materiales que,
cultivadas y mantenidas en el seno del pueblo, han llegado hasta hoy, a través de los años
como expresiones propias del sentir de la nacionalidad.

Dentro de este concepto general caben denominaciones regionales comúnmente aceptadas.
Así se cita como folklore cuyano al que se cultiva en San Juan, Mendoza, San Luis y parte de
La Rioja; el folklore pampeano es el distintivo de Buenos Aires, La Pampa y sur de Córdoba
y Santa Fe; el folklore norteño agrupa los cantos y danzas originarios de Santiago del Estero,
norte de Córdoba y Santa Fe, y parte de Tucumán; el folklore andino o salteño, que involucra
los que se cultivan en Salta, Jujuy, La Rioja, norte de Tucumán y Catamarca, existiendo aquí
la denominación de folklore calchaquí para designar los motivos locales y, por último, el
folklore correntino o guaraní, propio de Corrientes, norte de Entre Ríos, litoral del Chaco y
Formosa y Misiones.

El área de influencia de cada folklore regional no está científicamente controlada, ni tampoco
las citadas denominaciones obedecen a un ceñido estudio, sino que surgieron
espontáneamente para diferenciar la procedencia de ciertos motivos, algunos similares entre
sí. Un ejemplo de esto es el Gato, danza de la que se conocen variantes tales como el Gato
correntino, el Gato santiagueño, el Gato catamarqueño, etc.

El folklore argentino no es un producto autóctono, es decir que no es la supervivencia de
viejas prácticas aborígenes, sino que, en un elevado porcentaje, es resultado de la
aclimatación de usos importados, correspondiendo la otra parte a motivos locales, que
subsistieron a la conquista, pero que fueron fuertemente influenciados por las modalidades
europeas.


                            Informe e investigación especial

Roberto Chiappino

La palabra Folklore o Folclore (aceptada por la RAE.) que abrevia de alguna forma al
termino "The lore of the people" (saber del pueblo) fue utilizada por primera vez por el
Arqueólogo inglés William John Thoms (1803-1885), que con el seudónimo de Ambrose
Merton, la publica en la revista londinense "Athenaeum", el 22 de agosto de 1846. La palabra
está compuesta por dos voces inglesas “Folk” (pueblo) y “lore” (saber, ciencia), para definir
al saber popular, los conocimientos, usos y costumbres transmitidas de generación en
generación, en definitiva lo que se transmite de boca en boca, que trasciende, se incorpora a
nuestras costumbres y desconoce toda autoría.

Muchos fueron los términos que intentaron reemplazar a la palabra Folklore, todas buscando
castellanizar el termino, “saber del pueblo”, “demosofía”, “tradición”, etc. Ninguno de ellos
prosperó. Su consagración oficial se logró con la fundación de la Folk-lore Society (1878).

Según Bruno Jacovella: el Folklore es la Ciencia de la Cultura tradicional del pueblo entero
dentro de la sociedad civilizada, concibiendo a esta dividida abstractamente en dos sectores:
La sociedad instruida o culta y el pueblo propiamente dicho.

La palabra tradición según la Real Academia Española la define como la “transmisión de
noticias, composiciones literarias, doctrinas y costumbres transmitidas de generación en
generación.

Para Ricardo Rojas (Eurindia) La tradición es la memoria colectiva de un pueblo y como tal
llega a ser fundamento precioso de la nacionalidad. Ella contiene lo que cada generación
trasmite a la siguiente, de donde le viene su nombre, pero ella no es tan sólo el pasado, según
suele creerse, sino la razón del presente y fuente del porvenir”.

Para que un hecho reúna la esencia de lo folklórico debe cumplir con ser popular, tradicional,
colectivo, funcional, empírico y los rasgos implícitos en los anteriores o que contemplan esta
caracterización son: oralidad, anonimato, localización y transvasamiento.

Los hechos y fenómenos tradicionales del pueblo se manifiestan en diversos aspectos:
Materiales: como son la vivienda, la vestimenta, la comida, los instrumentos musicales, etc.

Espirituales: como la música, la danza, los cuentos, leyendas, supersticiones, refranes,
creencias, etc.

También hay que tener en cuenta las manifestaciones sociales, religiosas y estéticas.

En los últimos tiempos se ha discutido mucho sobre cuándo un hecho es folklórico o no.
Podemos clasificar estas características en:

Folklore tradicional: es toda manifestación realizada en el hábitat o lugar donde se genera el
hecho.

Folklore de proyección: es cuando el hecho se traslada de su lugar de origen a un escenario o
a otra región o un medio de comunicación. La falta de elementos regionales, vínculo
orgánico y vital, la ausencia de motivaciones o de la circunstancia especial vivida en el
momento por los músicos, bailarines, etc. Nos muestra que estamos en presencia de una
proyección folklórica.

Folklore estilizado: las culturas precolombinas dibujaban un rombo u otras figuras
geométricas en las pinturas rupestres, hoy interpretamos que podría se la representación de
una pluma, conservando la esencia de lo que querían comunicar. Cuando el hecho es
deformado o enriquecido pero conserva el mensaje, estamos frente a un folklore estilizado.


                                        El Folclore

Reflexiones

Profesor: Diego García

Analicemos; Whilliams Thoms, inglés recolector de antigüedades, creó esta designación
juntando dos voces sajonas: "folk"=pueblo, "lore"=sabiduría. "Sabiduría popular", "sabiduría
del pueblo". No es poca cosa amigos.

Sabiduría del pueblo nacida sin ser dirigida, sin ser programada; nacida por ser "necesaria",
fluyendo de la intercomunicación del hombre e imprimiendo profundos sentimientos de
pertenencia e identificación.

Para ahondar en estos comportamientos culturales existe una metodología de investigación,
un marco teórico; existe, por lo tanto, la ciencia del Folclore o la folclorología.

Podemos decir que el folclore es una puerta hacia el tiempo, un espacio sin edad, una historia
que cantada y contada por la gente, va de cabeza en cabeza, de pierna en pierna, de corazón
en corazón, y de lugar en lugar, haciéndose en cada instancia, nueva.

Podemos decir, también, que es un ojo invisible que ve, que observa acumulando, guardando.

A esta puerta temporal podemos ingresar desde el ahora, desde el sitio y el tiempo en que
estemos, pues, aunque viene de allá atrás, desde el fondo del Hombre y de los años, en él se
encuentra el "hoy", el "aquí".

Es ayer y niñez. Siempre está naciendo; no conoce la muerte, no cree en la muerte. Es
experiencia y adolescencia, porque es un pasado que atravesado por el presente adquiere
nueva significación. La adolescencia puede resignificar al abuelo cultural, por estar
conociéndolo desde su lugar, desde su "aquí"; lo está comenzando a amar a través del
conocimiento-sentido y del saber que existe y que puede comunicarse con él de igual a igual.

El tiempo ha transcurrido, el medio geográfico, histórico, social, etc., se ha transformado. El
adolescente mira a los ojos del abuelo y le habla con sus palabras, con las que él más siente y
más entiende.

Es comienzo y adultez. Su dinamismo -que es la vida- le confiere el más hermoso misterio al
momento de madurar, cuando ha recorrido ya un tiempo y un camino, se choca con un niño
que lo mira distinto y lo hace nacer nuevamente.

Este niño, que lo toma y lo carga en su mochila, le hace recorrer otro tiempo y otro camino.
Ha nacido otra vez; otro es el tiempo, otro es el paisaje, hay un nuevo sentimiento, una nueva
sonrisa, otra lágrima. Ha desafiado a la muerte.

Atahualpa, desde su camino, nos dice esto, cuando nombra al destino del canto:

                                     "...Nadie los nombrará
                                         serán lo anónimo
                                      pero ninguna tumba
                                       guardará su canto."

"...es bueno saber que lo folclórico es un comportamiento vivo y dinámico, en constante
estado de transmisión..., de "tradicionalidad", pero cuidado, tradicionalidad que "se mueve"
para llegar de un tiempo y un lugar a otro."



En nuestro diario hablar, folclore, es una palabra que da nombre a algo, la hemos recibido y
la empleamos cargándola de un significado que cada uno tenemos incorporado y simbolizado
en nuestra mente.

Esta carga significativa tiene que ver con nuestra historia personal y social, con nuestras
vivencias. Tiene que ver con la manera en que hemos incorporado este concepto, a través de
la educación familiar, de la educación institucional; de lo artístico, de lo emocional, de lo
intelectual. Qué vivencia nos incorporó esta palabra y su significación en nuestro mundo
simbólico.

Desde lo histórico, podemos informar que la palabra "folklore" fue creada por los románticos
en Inglaterra; allí nació, en un contexto cultural del "mirar hacia atrás" (Romanticismo).

Pero, ojo, esto no nos dice que allí nació el folclore. Allí surgió la palabra que vino a dar
nombre a algo que ya existía. ¿Solo a algo? o ¿a algo más? o ¿mucho más?

Analicemos; Whilliams Thoms, inglés recolector de antigüedades, creó esta designación
juntando dos voces sajonas: "folk"= pueblo, y "lore"= sabiduría. "Sabiduría popular",
"sabiduría del pueblo". No es poca cosa amigos.

Esto sucedía por 1846, un 22 de agosto, por tal razón se celebra en esta fecha el Día
Internacional del Folclore.

Sabiduría del pueblo, nacida sin ser dirigida, sin ser programada, nacida por ser "necesaria",
fluyendo de la intercomunicación del hombre e imprimiendo profundos sentimientos de
pertenencia e identificación.

Para ahondar en estos comportamientos culturales, existe una metodología de investigación,
un marco teórico; existe, por lo tanto, la ciencia del Folclore o la Folclorología.

Claro, entendemos entonces que es mucho más: es una palabra, un hecho cultural, una
ciencia, y un comportamiento social.
Por lo tanto, cuando nos referimos a un hecho folclórico, debemos hacerlo desde una
contextualización del fenómeno, de lo contrario, lo estamos "cosificando",
"deshumanizando". El hecho en sí mismo no nos explica nada, no tiene funcionalidad; el
folclore "desde el folclore mismo", desde el "folclorismo" no nos dice nada, está alejado del
hombre que lo generó. La memoria del hecho está en su contexto histórico, social, político.

Esta palabrita de amplia significación, creada por don Guillermo Thoms, rotula a
comportamientos culturales poseedores de determinadas

características que los distinguen de otros hechos culturales. A su vez, la misma, da nombre a
la ciencia antropológica social que estudia estos hechos culturales particulares.

La ciencia y su objeto de estudio se denomina de la misma manera, por tal razón, entre los
estudiosos se ha acordado usar la mayúscula (Folklore) cuando se quiere hablar de la ciencia
y la minúscula (folklore) cuando se trata del comportamiento socio-cultural (el material u
objeto de estudio) .

Entonces, entendemos también, por qué razón desde otros planteos teóricos se postula la voz
Folclorología para esta disciplina de estudio.

Lo de la "c" o la "k" para escribirla, se debe a que esta voz inglesa, folklore, pronunciada en
inglés, pierde fonéticamente la "e" (folklor) como mucha gente, aún, la pronuncia; y a que
esta voz, castellanizada, cambia la "k" por la "c".

Más allá de estas cuestiones teóricas, que se podrán ir profundizando progresivamente, es
bueno saber que lo folclórico es un comportamiento vivo y dinámico, en constante estado de
transmisión..., de tradicionalidad", pero cuidado, tradicionalidad que "se mueve" para llegar
de un tiempo y de un lugar a otro.

Por eso podemos mirar desde esta puerta temporal, y generar conocimientos y emociones a
través de lo pedagógico y lo artístico.

Claro está, que también, de todo lo que hablamos anteriormente se desprende una
proyección, una manera premeditada de expresar ideas y estéticas desde el arte, el arte
criollo.
                                        Los Amores

Historia

Se tienen pocos antecedentes sobre esta danza de características netamente rioplatenses. Se
bailó la Provincia de Buenos Aires, hasta principios del s. XX.

Indumentaria

Similar a la de El Caramba.

Características

Es una danza de pareja suelta e independiente, de movimiento vivo. Se baila de a dos parejas
(en cuarto). Los molinetes representan la identificación del mismo sexo en una coreografía de
carácter amoroso, como su nombre lo anticipa.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso balseado como el del Gato. La posición inicial es de firmes, en
cuarto.

Avances: la pareja más alejada del público, avanza hacia adelante, por adentro, luego de
acercarse entre sí llegan a las bases de la otra pareja. Ésta avanza hacia el fondo, por afuera;
empiezan con un desplazamiento hacia el lado que ocupaba la pareja que avanza por el
centro, y luego se dirigen hacia el público como lo habían hecho los contrarios; Regresos:
Estos avances (por el centro) y regresos (por afuera) se repiten una vez. Molinete de los
hombres: éstos avanzan hacia el centro, en diagonal, entrelazando sus manos derechas,
volviendo de espaldas, hacia las esquinas opuestas, mientras tanto las damas zarandean en
sus sitios. Molinete de las damas: realizan el mismo molinete que los hombres, sujetando las
polleras con la mano izquierda. Molinete de los varones: uniendo las manos izquierdas.
Molinete de las mujeres: igual que el anterior. Cadena corrida, con giro final de las damas.
Media vuelta en conjunto. Giro final, con coronación.
                                      La Arunguita

Historia

No puede decirse mucho de esta danza que se habría bailado en la provincia de Santiago del
Estero. Se parece muchísimo a La Lorencita y podría tratarse de la misma danza con nombres
cambiados.

Indumentaria

Provincia de Santiago del estero, hacia 1890.

Dama: con medias blancas o sin ellas. Alpargatas. Pollera con gran vuelo, de zaraza, con
volados superpuestos. Bata de la misma tela abotonada en la delantera con volado en el bajo
de la cintura, las mangas y alrededor del cuello.

Peinado de trenzas sueltas.

Caballero: sin medias, Ojotas o alpargatas blancas o marrones, antiguas, con cintas. Pantalón
de Barragán o picote, o cordellate, sin doblez ni raya y medio corto. Faja de lana provinciana,
puntas colgantes a medio muslo (sin cinto ni tirador). Camisa blanca o de otro color, sin
cuello. Pañuelo al cuello con las puntas a media espalda. Sombrero de copa bastante alta y
cónica, alas más bien caídas de preferencia en color bayo o marrón y con barbijo. Cuchillo a
la cintura.

Características

Pertenece a la categoría de pareja suelta e independiente, se baila con pañuelo y castañetas,
con paso básico común.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina.

Cuatro esquinas, con pañuelo. En los dos primeros compases de cada una, los bailarines
avanzan hacia el centro y se saludan; en los dos restantes giran, quedando de espaldas a la
esquina siguiente, a la que arriban bailando hacia atrás; luego se saludan bajando el pañuelo
primero hacia la cintura y subiéndolo luego hasta el pecho. Saludos: con pañuelo, cada dos
compases.

Saludos

En el primer compás avanza el pie izquierdo; en el segundo se lleva el derecho delante de
aquél, con la punta hacia abajo y, dando el costado derecho al compañero, se saluda con el
pañuelo. En el tercer compás se baja el pañuelo llevando el pie derecho hacia atrás y hacia la
derecha, con la punta hacia abajo. En el cuarto se lleva el pie izquierdo delante de aquél, con
la punta hacia abajo, dando el flanco izquierdo al compañero y saludando con el pañuelo.

Zapateo y zarandeo. Los bailarines mantienen el pañuelo suelto en sus manos.
                                       El Bailecito

Historia

Se habría llamado también así al Gato, en varias provincias,

Es originario de Bolivia, desde donde ingresó por la provincia de Jujuy a la Argentina, entre
la segunda y la quinta década del s XIX, extendiéndose rápidamente por las provincias de
Córdoba, Santiago del Estero, Catamarca, Tucumán, La Rioja y región cuyana.

Aún se baila en el noroeste argentino, donde lo conocen como Bailecito Boliviano.




    El Bailecito Coya

       Indumentaria

       Jujuy, hacia 1900.

       Dama: sin medias. Ojotas. Camisolín de picote. Pollera muy amplia y cortona (una
       sobre otras, de distintos colores: azul, rojo, verde, siempre intensos). Faja sujetando la
       pollera. Bata abotonada en la delantera, con una corta sobrefalda, adornada con
       puntillas y galones en la religiosa y las mangas; el color geranio y lila son favoritos;
       un manto colocado como rebozo o sobre los hombros, prendido sobre el pecho con un
       aguijón de plata o cobre. Sombrero de fieltro, blanco, gris o negro.

       Peinado: partido en dos bandas; dos trenzas sueltas, adornadas con borlitas de lana.

       Adornos: aros, anillos, alfileres grandes, de plata y cobre.

       Caballero: sin medias. Ojotas. Camisa común de picote o lienzo de algodón. Pantalón
       de Barragán (también usan chaleco y saco). Poncho calado, grueso y cortón, listado
       de colores vivos, predominando los pardos y rojos. Sombrero de fieltro de lana
       (ovejón), sujeto con un cordoncito debajo del mentón.
  Características

  Es una danza de pareja suelta e independiente. Se baila con pañuelo.

  Coreografía (dos parejas)

  Posición inicial: firmes, en cuarto. Se usa el paso básico.

  Vuelta entera, en cuarto, con pañuelo; después de la primer media vuelta, las mujeres
  giran sobre el hombro derecho y los varones, se saludan con el pañuelo; cumplida la
  media vuelta, las mujeres, ya en sus lugares, realizan un pequeño giro sobre la
  derecha mientras los varones retornan a sus lugares; en el último compás, los
  compañeros se saludan.

  Vuelta entera, por parejas, con pañuelo: la primera media vuelta, se efectúa por la
  derecha, casi recta; los compañeros se enfrentan en el centro de su sector, con el
  costado izquierdo hacia su base, y se saludan. Luego giran sobre su hombro derecho y
  se dirigen hacia el lugar del compañero, volviendo a saludarse. A continuación
  realizan la segunda media vuelta, volviendo a sus lugares.

  Giro, con pañuelo, saludándose en los compases 2 y 4. Contragiro, con pañuelo,
  saludándose en el último compás. Rueda de los bailarines tomados de la mano, con el
  pañuelo sobre el hombro izquierdo, con pasos saltados durante cuatro compases para
  un lado y cuatro hacia el otro, soltándose y saludándose al llegar a sus sectores.

  La segunda parte es igual que la primera.


 El Bailecito Norteño


  Indumentaria

  Zona subnorteña, hacia 1870.

  Dama: medias de muselina. Bolitas de cuero muy fino, de color manteca, abotonadas,
  con taco mediano de color oscuro. Enaguas de seda (moiré) blanca con volado en el
  borde. Traje de seda pesada color canela; el corpiño, ceñido y abotonado en la
  delantera, mangas abultadas hasta el codo y estrechas en el antebrazo. Falda amplia
  sin exceso y larga hasta el tobillo. Debajo de la cintura, en la delantera, una gran
  pieza que se repliega y recoge hacia atrás en dos largas caídas de la tela. Cuellito alto
  y estrecho y un volado bordeando el busto y sobre los hombros.

  Peinado: recogido hacia lo alto en torzada. Por debajo del cuellito pueden asomar
  voladitos de gasa o encaje.

  Caballero: botas altas colocadas sobre el pantalón. Camisa blanca o de otro color.
  Saco corto, con solapas, de Barragán o paño inglés. Poncho liviano al hombro.
  Sombrero panamá de alas anchas con barbijo. Cabello abultado, bigote y barba
  pequeña.

  Características
Se baila con pañuelos y castañetas, con paso común de Gato.

Coreografía (una pareja)

Avance y retroceso (travesías), con pañuelo primero con "pañuelos afuera" luego con
"pañuelos adentro" en el segundo compás los bailarines se saludan, en el tercero se
cruzan para volver, de espaldas hacia sus lugares, desde donde se saludan. Los
saludos se hacen llevando el pañuelo hasta el pecho y subiéndolo luego hasta la cara.

Giro, con pañuelos y saludos en compases 2 y 4. Contragiro, con saludo en el compás
4.

Media vuelta - saliendo con los pañuelos sobre el hombro - con castañetas

Giro final, con castañetas. Coronación.

La segunda y tercera partes son iguales que la primera.
                                       La Calandria

Historia

Casi todas las danzas argentinas se bailaron en todo el país; sin embargo, algunas variantes
locales, desprendidas de las más prestigiosas, rodaron su tramo y murieron sin consecuencia.
A este pequeño grupo pertenece l Calandria, baile criollo de San Luis, Córdoba y Santa Fe.

Los testimonios obtenidos la ubicarían en esa región durante la segunda mitad del s. XIX y
los primeros lustros del siguiente. Ya no se la practica. El nombre surgió de su letra, y por el
mismo motivo también se la llamó "Sapito".

Indumentaria

Similar a la de la Chacarera.

Característica

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas y paso criollo común.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados, la izquierda del varón dando hacia el público.

Cruce por derecha, cambiando lugares. Se avanza por la derecha describiendo una curva
suave, siempre enfrentados, muy cerca y quedando, al volver, casi de espaldas a los lugares
de sus contrarios.

Cruce por el mismo lado, volviendo a sus puestos.

Vuelta entera, dando giros: se parte rápidamente; en el tercer compás va un giro sobre
hombro izquierdo y en el cuarto se enfrentan y saludan, repitiendo las figuras en el resto de la
vuelta. El caballero podría zapatear durante la vuelta repicando en cada media, en lugar de
dar los giros.

Zapateo y zarandeo.

Media vuelta final, yendo al centro, luego de efectuar un giro; coronación.

                           La segunda parte es igual que la primera.
                                        El Caramba

Historia

Es una danza pampeana. Existen dos versiones sobre su origen: a) Provendría de la repetición
del vocablo que lleva sus nombre sobre los versos, b) Del sobrenombre de la famosa
tonadillera española Ana María Fernández, "La Caramba", quien la trajo de España en 1778.

Se bailó en el sur de la provincia de Buenos Aires hacia el año 1860 siendo muy cultivada
por el gaucho sureño y también en el litoral alcanzando además alguna difusión en el norte
del país, hacia 1870.

Las frases musicales están compuestas por dos compases cada una por lo que cada figura de
danza ocupa dos compases musicales, excepto la coronación que ocupa tan solo uno.

Indumentaria

Usada por hacendados de Cacharí, Provincia de Buenos Aires, en 1868.

Dama: medias de muselina; zapatos de cuero con taco más bien bajo; traje enterizo de seda
pesada color morado oscuro; bata hasta la cintura bien ceñida por pinzas; mangas largas algo
amplias en la parte superior, estrechándose en el antebrazo; pollera larga y muy amplia;
volados de encaje en el borde de las mangas; el escote más bien alto en el nacimiento del
cuello, con adorno de encaje. Gran pañuelo de seda con flecos y bordado sobre los hombros.

Joyas: alhajas de oro; aros, broches y anillos.

Peinado: en dos bandas recogidas en una torzada baja.

Caballero: botas de potro; espuelas de plata o hierro de rodete (nazarenas). Calzoncillo
cribado. Camisa blanca común, sin cuello, de pechera con alforcitas. Chiripá negro, pampa o
de a pala. Faja pampa. Tirador con rastra de botones. Chaleco antiguo, borde inferior recto,
con solapitas, cruzado o derecho, que se llamaba armador. Pañuelo de seda al cuello.
Sombrero Panamá de copa y alas chiquitas. Cabello un poco largo, bigote fino y pequeña
barba en punta.

Consultar también las prendas utilizadas por épocas

Características
Es una danza de galanteo, de pareja suelta e
independiente, de movimiento vivo.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso básico.
Posición inicial: firmes, enfrentados, dando el
varón su izquierda al público.
Giro; contragiro; media vuelta; giro;
contragiro; giro; media vuelta; giro; media
vuelta; giro final.

Algunos autores indican que la danza se inicia
con un contragiro, seguido por un giro.
                                         La Chacarera


Historia

Pertenece al grupo de danzas picarescas, que a su vez provienen de una antigua generación
de bailes europeos que, a fines de la colonia, fueron irradiados desde el Perú hacia todas
partes (excepto Brasil).

Existen pocos documentos que documenten su arraigo y es imposible saber si se bailó antes
de 1850. Pertenece al folklore vivo, pues aún se baila al natural en los ambientes populares
de algunas provincias (Catamarca, Salta, Tucumán, Santiago del Estero, sur de Jujuy). Se
recogieron chacareras con los nombres de Chacra y Molino, en el oeste de la provincia de
Córdoba.

Indumentaria

Provincia de Santiago del Estero, hacia 1920.

Dama: zapatos de cuero de tacón mediano. Vestido de zaraza en dos piezas: falda con mucho
vuelo y adornada con amplios volados aplicados y bata abotonada adelante, con volado
puesto como sobrefalda y otros en el borde de las mangas y alrededor del cuello.

Peinado: en una o dos trenzas sueltas.

Caballero: botas acordonadas, con o sin espuelas. Bombacha y chaqueta típica, cortita, de
bordes rectos con adornos de alforcitas o nido de abeja, llamadas encarrujadas. Camisa,
cualquiera color blanco o de otro color. Faja. Tirador con rastra o cinto ancho con bolsillos.
Pañuelo de seda al cuello con las puntas a media espalda. Sombrero de copa baja, con
barbijo; de colores gris, negro o marrón. Cuchillo a la cintura.

Consultar también indumentaria por las épocas

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo

Coreografía

Posición inicial: enfrentados, con la izquierda del varón hacia el público. Se baila con
castañetas, con paso común criollo.

Avance y retroceso; giro; vuelta entera; zapateo y zarandeo; media vuelta; giro final.

En algunos lugares, la figura de avance y retroceso se reemplaza por un giro.
 La Chacarera Doble


  Coreografía

  Posición inicial: firmes, enfrentados, el varón dando su izquierda al público. Se baila
  con castañetas y paso básico.

  Avance y retroceso, doble; giro; vuelta entera; zapateo y zarandeo; giro; vuelta
  entera; zapateo y zarandeo; giro; media vuelta; zapateo y zarandeo (4 compases) ;
  giro final.

  El último zapateo y zarandeo puede reemplazarse por avance y retroceso.

   Así también pueden reemplazarse las últimas dos figuras, por giro y contragiro final.
                                      La Chamarrita

 Historia

Pareciera ser que su ingreso a la Mesopotamia argentina se produjo recién durante la Guerra
de la Triple Alianza.
Hay evidencias de que se bailó esporádicamente en salones entrerrianos y santafesinos desde
1855, aunque su popularización se habría producido diez años después, durante la guerra, por
el paso de los soldados brasileños que dejó al menos las coplas y tal vez las melodías en la
campaña entrerriana y correntina, donde también se la llamó polka canaria ya que se trataría
de una variedad de polka popularizada en las Islas Canarias, Azores y Madeira.
(El Chamamé, R. Pérez Bugallo, Ed. Del sol, 321 Pág., 1996)

Indumentaria
I. Corrientes, hacia 1870.

Damas (entre 1880 y 1890): medias de muselina. Botitas de cuero. Traje enterizo de tela de
algodón, seda pesada o lanilla, según la época. Bota ceñida, abotonada en la delantera;
cuellito alto; volados rodeando el busto, hombros y espalda. Mangas largas, amplias sobre el
brazo y estrechas sobre el antebrazo, con un volado acentuando la unión de las dos piezas.
Falda larga, lisa, amplia, sin exceso.
Peinado: con una trenza suelta.

Caballero: descalzo o con alpargatas (de cintas). Calzoncillo de puño (recogido sobre la
pantorrilla). Chiripá negro o gris sin guarda. Camisa común blanca o rosada, sin cuello.
Pañuelo de cuello, flojo, rojo o azul. Faja (tipo vasco). Cinto de cuero, ancho, con bolsillos,
ceñido en la delantera por una hebilla (pueden ser dos hebillas, pistolera, etc.). Pañuelo
anudado sobre la mesa debajo del sombrero de alas muy levantadas. Bigote, barba, cabello
algo largo.

II. Hacia 1880.

Dama: camisa de tela fina de algodón. Cuello cortado en cuadrado, adornado con puntilla
hecha a la aguja en negro o azul de 2 o 3 cm de ancho. Falda de lujo: de tela igual que la de
la camisa, preferentemente blanca, terminada con anchas puntillas blancas. Falda sencilla: en
colores lisos, de preferencia verde o rojo, con anchos volados en el ruedo.
Peinado: de trenzas, con alguna flor como adorno. Sin medias. Descalza o con alpargatas
para "el lujo".
Caballero: además de las prendas descriptas en El Chamamé, también se usaba la boina de
vasco, color libre o a cascos, con borla colgante. Chiripá negro merino o a pala. Calzoncillo
blanco de puño, arrollado sobre la pantorrilla, sin medias. Alpargatas blancas, con cintas.
Culero.

Característica

Danza de parejas sueltas en conjunto y de movimiento vivo. Se utiliza el paso de Chamamé y
zapateo por parte de los varones. Los bailarines describen vueltas en la misma forma y
sentido que la de Gato.
Consta de una sola parte.

Coreografía

No han sido encontradas formas coreográficas concretas y medidas en compases.
Los antecedentes mencionan vagamente zapateado, molinete, balseado, rueda, etc.
                                El Cielito de La Patria

Historia

Es el más antiguo de los bailes criollos de conjunto. Tuvo su origen en la Country Dance -
danza del campo o campera - que antes de 1600 predominaba en los ambientes rurales de la
Gran Bretaña y cuyo nombre fue deformándose en el lenguaje popular, hasta transformarse
en Contradanza; llegó a Buenos Aires hacia 1730 y su historia está bien documentada hasta
1746, época en que las autoridades eclesiásticas aplicaron severas medidas a quienes la
bailaran.
Con ese nombre - Contradanza - se conoció y bailó en los salones del virreinato, pasando
luego a los suburbios y a la campaña colonial.

Fue canción de guerra, en cuanto sus versos contaban los sucesos de la campaña militar. Eran
la expresión colectiva, el lenguaje de los hombres libres que inauguraron una nueva época en
la patria. A éste género de la poesía popular rioplatense se debe el nombre que toma la danza.

La más antigua noticia de esta danza en Buenos Aires es de 1812, cuando partió con las
tropas de los regimientos 1 y 2 de Patricios que reforzaron al General Belgrano después de la
batalla de Tucumán. En 1813, los patriotas cantaron un cielito con acompañamiento de
guitarras frente a las murallas de Montevideo, alborozados ante la aparición de la escuadra.
La primera versión musical escrita es de 1816 y la primera descripción de su coreografía es
de 1818.
En 1817 las bandas de los batallones 8 y 11 (compuestos por negros africanos y criollos
argentinos) uniformados a la turca, hicieron oír en Chile, tres días después de la batalla de
Chacabuco, los aires de "El Cielito", "El Pericón" ,"La Sajuriana" y "El Cuando" .

El ambiente colonial gauchesco del Plata adoptó modalidades y recursos propios de las
danzas picarescas, lo cual explicaría las castañetas y la vivacidad de alguna figura. Se
mantuvo vivo hasta mediados de la cuarta década del s. XIX.

Indumentaria

La misma que para el Minué.

Características.

Danza de parejas sueltas como la Media Caña y el Pericón, que por lo general se baila en
cuarto, con castañetas y con paso valsado. Comienza con el pie derecho. Consta de una sola
parte.

Coreografía Histórica

Balanceo. Avance y saludo.
Zapateo- contorneo
Vals entrelazado.
Zapateo - contorneo.
Cadena.
Zapateo - contorneo
Rueda. .
Zapateo y contorneo.
Vuelta picaresca en el sentido de la de El Gato.
Zapateo - contorneo.
                                       El Chamamé

Historia

Baile típico de Argentina, especialmente de las provincias de Corrientes, Chaco, Formosa,
Misiones y norte de la de Entre Ríos. Con epicentro en la provincia de Corrientes, su
influencia llega al este del Chaco, norte de Santa Fe, norte de Entre Ríos.
Según Rubén Pérez Bugallo se trata de una expresión musical íntimamente emparentada con
el gato, la chacarera, la zamba, el escondido, etc. que posee la misma - cuando no mayor -
profundidad cronológica que muchas especies de esa gran familia. Fundamenta su posición
en la dirección Perú-Paraguay de las corrientes colonizadoras, la llegada de los Jesuitas al
Paraguay - desde Perú - y la introducción del romancero español (versos de 16 sílabas
rimando entre sí en forma asonante y divididos en dos hemistiquios de 8 sílabas cada uno)
también desde Perú (El Chamamé, Ed. Del Sol, 321 Pág., 1996)
El sur de Misiones y parte del este de Formosa participan de su vigencia aunque aquí ya
comparten posiciones con la polka y las especies secundarias emparentadas directamente con
la misma (galopa, guarania, etc.). Chaco es la provincia que sigue a Corrientes en cuanto a su
difusión, debido principalmente al éxodo de correntinos hacia los algodonales y obrajes
chaqueños en busca de trabajo y su afincamiento definitivo ha provocado un desplazamiento
hacia el este, del área del chamamé y prácticamente los estratos populares rurales de las dos
provincias que responden a la pauta folklórica guaranítica son los portadores más importantes
de esta expresión.
La proyección del chamamé en escala nacional producida por una preferencia general hacia
los motivos musicales guaraníticos en los medios urbanos, hecho iniciado hace ya varios
años, crece en intensidad y la difusión de composiciones lírico musicales inspiradas en los
ritmos del litoral argentino podrían provocar, como consecuencia del movimiento provincias
- metrópolis - provincias, un ensanchamiento o revitalización del chamamé en áreas
marginales a la región donde tiene su ámbito natural y efectivo, por el prestigio que le otorga
la metrópoli convirtiéndolo en moda nacional.



Existe un importantísimo trabajo de investigación sobre esta danza y ritmos relacionados,
realizado por los profesores Nelly Alfonso y Marcelo Luis Aguirre, cuya lectura
recomendamos para ampliar conceptos sobre este tema:

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Indumentaria

Corrientes, hacia 1920.

Damas: sin medias. Alpargatas. Blusa (cualquiera). Pañuelo de seda al cuello. Pollera amplia
y no muy larga, con ancho volado en el ruedo, de preferencia en tela de algodón de colores
intensos, lisos y floreados.

Peinado: en dos trenzas sueltas, flores adornando el costado de la cabeza.

Caballero: botas altas, acordonada la mitad inferior y dura la superior, con correas y
hebillitas. Espuelas típicas de la región, de pihuelo largo, rodaja "puntas de clavo" o
nazarenas de hierro o plata. Camisa común, sin cuello. Faja de lana tipo vasco. Cinto de
cuero curtido, ancho, con bolsillos, pistolera y una o dos hebillas grandes de plata. Cuchillo a
la cintura. Bombacha anchísima. Pañuelo de seda al cuello, llegando a media espalda.
Ponchito al brazo. Sombrero entrerriano, ribeteado o no, de copa alta, cónica y con cuatro
hoyos, alas de 7 u 8 cm. y barbijo. Este atavío se completa con su blusa, amplia, de tela igual
a la bombacha, larga, de bordes rectos, prendida con tres botones.

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Características

Es danza de pareja enlazada que se desarrolla como un vals lento y apocado. Se lleva a la
dama de costado, casi nunca de frente y las manos se toman al revés, con movimientos
balanceados de arriba hacia abajo o a la cintura, ciñéndose al revés.

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Coreografía

Es libre, tan sólo sujeta a unas pocas figuras básicas elementales.

Pasos

Se denomina sobrepaso (el pie que llega es el que sale), en el que la pierna que da el paso se
flexiona al apoyar el pie. Conforme se balancee el cuerpo, le da características de paso
hamacado.
El arrastrado es un paso de danza por cada dos de música, con marcado de vals exagerando el
avance.
El paso cruzado se logra cruzando los pies en forma alternada.

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El zapateo
Las formas comunes son el parará, que se realiza con ambos pies en posición de repique, el
taconeo, que se hace con un solo pie o talón y llamado generalmente chicada o chicadita, con
la dama suelta o tomada (cuando hay deslizamiento hacia el costado se lo llama irivú chicá
chicá o chicada del cuervo) y la cepillada o escobillada, compuesto por todas las figuras
posibles escobillando el suelo a los pies de la dama. Todo zapateo es a contrapunto con otro
bailarín.
                                      La Condición

Historia

Su nombre se debería a que Manuel Belgrano, en los salones de Catamarca, durante la
campaña del Ejército del Norte, habría puesto para bailarla, la condición de hacerlo con cierta
dama del lugar.

También se habría bailado en las provincias de Salta y Tucumán.

Es de origen europeo, habiéndosela adaptado en América, reemplazando por el ritmo de
zamba el allegro original.

Indumentaria

Salones de la Ciudad de Catamarca, 1857.

Dama: medias de muselina blancas. Zapatos de raso con taco. Amplia enagua de seda blanca
con bordes de encaje. Vestido: corpiño ceñido hasta la cintura. Pollera ancha y larga hasta el
suelo, armada sobre miriñaque; escote muy bajo; mangas muy amplias y cortas;
confeccionado en tela de seda, brocato de color verde agua, con grandes volados de encaje
(color natural) bordeando el escote, las mangas y la falda.

Peinado: dividido en dos bandas sobre la parte frente; torzada alta y bucles sueltos y largos
sostenidos a un costado.

Caballero: zapatos escotados de charol; pantalón de gabardina con trabilla debajo del zapato
en color gris claro; camisa blanca común, de tela delgada; cuello alto (pero no demasiado) y
almidonado; corbata de seda ancha anudada, chaleco de seda de fantasía en colores claros;
saco frac, cruzado con solapas anchas, de paño de color canela. Cabello un poco largo y
ondulado, con raya en un costado y onda o jopo sobre la frente, bigote fino y barbita pequeña
y en punta solamente sobre el mentón.

Características

Danza cortesana, de pareja suelta e independiente y de movimiento lento-vivo. Relacionada
con el Cuando, la Sajuriana y el Minué Federal. Se baila con pañuelo.

Coreografía

Los bailarines se colocan en posición de firmes, con el pie derecho ligeramente adelantado.

Avance hacia el centro, con pañuelo: se ejecuta hacia el centro, dándose alternativamente los
costados derechos e izquierdos, con los pañuelos arriba y saludando. Regreso hacia sus bases,
con pañuelo: vuelven por el camino anterior, repitiendo las figuras.

Saludos, con pañuelo.

Tiempo de Zamba:

Media vuelta, con pañuelo, hacia el centro y saludándose a mediados y al terminar la figura.
Arrestos (4 c.): El primero se efectúa hacia la izquierda, con los pañuelos extendidos; el
segundo se realiza revoleando los pañuelos y coronando con el pañuelo. Con las notas finales
hacen una inclinación y se saludan.

La segunda parte es igual que la primera.
                                        El Cuando


Historia

Fue bailado, en las ciudades y campaña de la zona cuyana, en las provincias de Córdoba,
Santiago del Estero, Tucumán y tal vez en algunas otras de la región occidental, desde
principios hasta mediados del s XIX.

Es posible que San Martín lo introdujera en Chile (conjuntamente con el Cielito el Pericón y
la Sajuriana).

Indumentaria

Salones porteños, hacia 1841.

Dama: medias de muselina y escarpines. Vestido de seda de colores lisos y estampados, de
los llamados brocatos moiré de especial preferencial talle a la cintura, muy estrecho y ceñido
hasta el busto; escote muy amplio, mangas anchísimas sobre los hombros y estrechas en el
antebrazo; adorno de cordoncitos y pequeños botones.

Peinado: muy alto, separado en bandas sobre la frente, con rellenos para abultarlo a los
costados. Peineta muy grande sosteniendo flores o moños.

Adornos: collares, aros de caravana y gran medallón sostenido debajo del cinturón (o suelto,
por un largo cordón de seda).

Caballero: medias blancas, zapatos negros escotados. Pantalón de gabardina de colores
claros. Camisa blanca con tabloncito y pequeño volado en la abotonadura. Chaleco de seda
de colores claros con estampados pequeños, de corte cruzado o derecho y solapas. Cuello alto
y almidonado. Corbata forma moño, ancho, de seda, blanca. Cabello no demasiado corto y
largas patillas.

Características

Es una danza galante, de acentuado tono cortesano, de pareja suelta e independiente, de
movimiento lento-vivo, tal como lo son la Condición, Sajuriana y el Minué Federal o
Montonero.

Coreografía

Los bailarines adoptan la posición de baile antes de que comience la música.
Posición inicial: firmes, enfrentados, con el público a la izquierda del varón. Comienza con el
pie izquierdo. Los pasajes aminuetados se bailan con paso especial de Cuando y los de Gato
con el característico de esta danza, haciendo castañetas.
Con el primer acorde, los bailarines avanzan uno hacia otro, con un paso de Cuando. Con el
segundo acorde llevan el pie derecho atrás, girando hacia el frente, mientras se toman de las
manos. En el tercer acorde se saludan con una ligera reverencia, con el pie izquierdo
adelante.
Tiempo de Minué
Tomados de las manos, avanzan hacia el público y quedando enfrentados en el último
compás. Luego saludan con una reverencia, dejando la punta del pie derecho adelante. Luego
regresan al punto de partida, repitiendo figuras y paso. Después dan una media vuelta,
saludándose al promediarla y cambiando lugares, al concluir la cual, se enfrentan y hacen una
reverencia. Esta figura se repite, quedando luego los bailarines preparados para comenzar con
el tiempo de Gato.
Tiempo de Gato
Vuelta entera; giro; contragiro; zapateo y zarandeo; giro; contragiro.
Tiempo de Minué
Avance hacia el público y regreso con reverencia y saludo final
La segunda parte es igual que la primera.
                                        La Cueca

Historia

Durante la época del Virreinato, arribó a Perú una danza llamada Zamba
palo, que los peruanos rebautizaron como Zambacueca. Al mudar de región, en Chile tomó el
nombre de Zamba en el norte y Cueca en la zona cuyana, con un compás de seis por ocho.
Véase también Zamba

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
pañuelo, de importancia trascendental al igual que en la Zamba. Se utilizan pasos y zapateos
especiales.

Pasos

Paso valsado simple: más rápido que el comúnmente utilizado en los otros bailes.

Paso valsado cruzado: cruzando un pie delante del que soporta el peso del cuerpo,
alternativamente

Coreografía

Ver descripción según sea alguna de las variantes que se mencionan en el punto siguiente.
 La Cueca Cuyana


  Indumentaria

  Región cuyano-andina, hacia 1890.

  Dama: alpargatas o zapatos de cuero con taco mediano. Pollera larga, no muy ancha.
  Blusa ceñida puesta debajo de la pollera. Largo chal de lanilla con bordados,
  terminado en punta sobre la espalda y con voladito en el borde.

  Peinado: con el cabello hacia atrás, con la torzada bien alta o recogida sobre la nuca.

  Caballero: bombacha angosta. Bota fuerte de becerro, con o sin espuelas de rodete (de
  hierro o de plata). Camisa común, sin cuello, pechera con alforcitas. Faja pampa o
  provinciana. Cinto ancho con hebilla o tirado con rastra de botones. Saco antiguo, con
  trencilla, color oscuro, con cuatro botones y solapas. Pañuelo de seda al cuello.
  Poncho de vicuña o guanaco. Sombrero marrón o negro, de copa redonda abollada,
  ala de 8 cm, con barbijo. Cabello más bien largo; bigotes y barba espesa sobre las
  mejillas y el mentón

  Conforme las distintas épocas.

  Características

  La métrica de 40 compases, que predomina, fue precedida por la de 48 compases
  primero y la de 44 después. Su ritmo más lento lo adquirió en los salones de la más
  distinguida sociedad de Cuyo.
  En esta región no se veía bien zapatearla; tampoco se usaron las voces Ahura y
  Adentro, utilizándose en su lugar Primera, y Ahí nomás al terminar.
  La voz de ¡Aro! utilizada al finalizar una Cueca, también es característica de la zona
  cuyana, en donde solamente se la usa para esta danza.


  Se utiliza pañuelo y, por lo común pasos cruzados, alternándolos con otros simples,
  caminados. El zapateo es suave (escobillado).

  Coreografía (Una pareja)

  Vuelta entera, con encuentro en el centro.
  Arrestos: primero hacia la izquierda, cambiando lugares, saludándose desde ellos;
  retornan a su sector dando cuatro pasos hacia la derecha.
  Media vuelta, con encuentro en el centro
  Arrestos: similar a los anteriores.
  Media vuelta con encuentro en el centro.
  Arrestos: igual que anteriores.
  Media vuelta final con encuentro en el centro y coronación.

  La segunda parte es igual que la primera.
 La Cueca Norteña

  Indumentaria

  Similar a la del Bailecito Coya.

  Características

  Se cultiva mucho en el noroeste argentino, bailándose de a una o de a dos parejas.

  Se baila con pañuelo empleándose el paso caminado, el cruzado de zamba y el
  valsado simple, con repiqueteos.

  Coreografía

  Vuelta entera las damas suelen dar, cada media vuelta, un giro rápido sobre la
  derecha.
  Arrestos: normalmente el hombre zapatea en su lugar, con el pañuelo bajo. No es raro
  que ambos zarandeen en su sector.
  Media vuelta:
  Arrestos: como los ya descriptos.
  Media vuelta, como la anterior.
  Arrestos: como los ya descriptos.
  Media vuelta final en el último tramo se saludan o coronan en el centro.

  La segunda parte es igual que la primera.
                                La Danza de las Cintas

Historia

Sus antecedentes son prehistóricos, tiempos en que se atribuía sensibilidad y espíritu a los
objetos, en este caso, se trataría del árbol, al que los hombres adornaban con telas y cintas de
colores.

Actualmente sólo se danza en el extremo del noroeste argentino. Tal como se la conoce, es
muy probable que haya pasado a esta zona desde Bolivia. Danza folklórica viva, muere en
algunos lugares y retoña en otros por simple traslación de los organizadores.

En Jujuy los niños realizan la danza frente a pesebres caseros interiores o por las calles los
días de procesión junto a los nacimientos que se arman en las aceras. Se lleva a cabo
generalmente en torno de un mástil, en el periodo que transcurre desde Navidad hasta Reyes.

Indumentaria

Es similar a la del Bailecito Coya.

Características.

Danza colectiva de carácter religioso, que se baila con música de villancicos. Aún se baila en
la zona ya nombrada.


Coreografía

Es variable, con algunas figuras características, como el remolino de dos ruedas que forman
los bailarines con los varones (en el exterior) y las mujeres (en el interior), girando ambos en
sentido inverso.
                                        El Ecuador

Historia

Se bailó en la provincia de Tucumán, promediando el s. XIX. También La Rioja, Santiago
del Estero y Catamarca.

Es conocido como Patito en Tucumán.

Indumentaria

Similar a la del Gato.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente; de movimiento vivo, que incluye partes
lentas, de minué.

Coreografía

Se baila con castañetas. Posición inicial: en firmes, enfrentados, sobre la mediana del cuadro.

Cuatro esquinas por la izquierda, cada una sin girar, yendo primero hacia el centro y
retrocediendo luego hacia la siguiente, sin dejar de dar el frente al compañero. Avance hacia
el centro, realizando paso de Cuando; retroceden siempre de frente al compañero, como si
efectuaran otra esquina como las anteriores. Zapateo y zarandeo. Avance lento, igual que el
anterior. Zapateo y zarandeo. Vuelta entera con castañetas. Giro rápido, con castañetas y
coronación
                                      El Escondido

Historia

Durante el s XIX se bailó en todas las provincias, si bien no se han hallado menciones
anteriores a 1850.

En muchos sitios se lo conoce como Gato Escondido, por lo que podría suponerse que esta
danza sería una variante de gato, con escondimiento.

Indumentaria

Similar a la del Gato.

Características

Es una danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo, que se
caracteriza por la representación del escondimiento de uno de los bailarines.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso básico. Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina.

Cuatro esquinas en arco hacia la izquierda, con un giro en el medio de cada una, finalizando
enfrentados y efectuando un suave balanceo o zapateo. Vuelta entera con rápido giro final:
con escondimiento de la dama, quien palmotea; mientras el varón ejecuta un Zapateo
buscando a su compañera. Vuelta entera igual a la anterior; esta vez se invierten los papeles.
Zarandeo, Media vuelta. Giro final.

En la segunda parte se esconde en primer lugar el varón y luego la mujer.
                                        La Firmeza

Historia

Su origen puede ubicarse en las danzas españolas del s XVII cuyo texto indicaba la
coreografía a seguir.
Todas las provincias argentinas la conocieron. Su versión más antigua fue difundida por el
circo, hacia fines del s XIX.

Tuvo al menos tres nombres: La Firmeza (el más antiguo), El Zapatero (desde Catamarca
hasta San Juan y también Tucumán) o El tras-tras (en el centro y oeste de Argentina)

Indumentaria

Campaña de la Provincia de Buenos Aires, hacia 1841.

Dama: medias de muselina blancas y escarpines de cuero negro sujetos con cintas. Vestido
de tela de algodón blanco con floreados rojos (u otros colores). Sobre los hombros, pañuelo
grande, de seda con flecos, en colores lisos o con bordados.

Peinado: en bandas separadas sobre la frente, recogidas en torzada baja. Peineta pequeña.

Caballero: botas de potro, espuelas nazarenas (o no). Calzoncillo cribado: chiripá pampa o de
a pala. Camisa común, sin cuello, antigua, con alforcitas en la pechera. Chaleco antiguo,
borde inferior recto, con solapitas, cruzado o derecho. Faja pampa. Tirador con rastra de
botones. Pañuelo de seda en forma de albornoz. Sombrero de forma galera de copa alta y alas
estrechas. En la cintura, el facón. Puede usar también trabuco.

Ver también indumentaria conforme las épocas.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas, y paso común de Gato.

Coreografía

Posición inicial firmes, enfrentados.

Cuatro esquinas, con castañetas, hacia la izquierda, en ángulo al centro, de frente: se avanza
hacia el centro y luego, girando luego hacia la izquierda, siempre de frente, se retrocede de
espaldas hacia la esquina siguiente, desde donde los bailarines se saludan vuelta entera
marcada por la voz darás una vuelta, con saludo en el último compás.

Con castañetas, a la voz de con la tras trasera describen medio giro, quedando en el centro, de
espaldas mirándose por sobre el hombro derecho. Salen después rápidamente.

Completan el giro al escuchar con la delantera; en las bases, se saludan ligeramente.

Primer paseo hacia el foro, a la indicación: por ese costado; avanzan hacia el público en por
el otro lado; segundo paseo hacia el foro con ese modito; avanzan hacia el público al
escuchar: pónele el codito, tocándose los codos.
Retroceden dos pasos a la instrucción pónele el oído señalándolo con la mano, avanzan dos
pasos hacia el centro, en semicírculo, con mano izquierda a la sien: también los sentidos;
bajando la mano, retroceden dos pasos: como corresponde; avanzan dos pasos y colocan la
mano derecha sobre el hombro izquierdo del compañero al escuchar una mano al hombro; él
retrocede dos pasos y ella baila en su lugar: otro poquitito; el hombre avanza nuevamente dos
pasos hacia la dama y hace el gesto, con la mano mientras ella simula que lo rechaza: tírale
un besito; él retrocede zapateando y ella zarandea y haciendo el gesto negativo con la mano:
ay, no, no, no, no: que me da vergüenza: el caballero zapatea; ella completa el zarandeo
retrocediendo dos pasos y sigue negando, ahora con la cabeza; él retrocede dos pasos
zapateando mientras ella avanza dos, cubriéndose un poco el rostro con mano derecha: tápate
la cara; el permanece en su lugar, zapateando; ella completa el zarandeo retrocediendo dos
pasos, siempre con la mano derecha cubriendo su rostro Que te doy licencia.

Media vuelta.

Giro final, con coronación.

La segunda parte es igual que la primera.
                                  El Gato Correntino

Historia

El gato fue en Corrientes tan popular como en el resto de las provincias del norte, centro,
cuyo y de la pampa.
Por lo que, cuando Oribe venciera a Lavalle en 1840 se diera el fenómeno de que
comenzaran a circular pies de gato haciendo referencia a ese combate no pareciera ser nada
excepcional.
Cuando se quiso homenajear al nuevo gobernador de Corrientes, Gral. Joaquín de Madariaga,
dedicándole un gato llamado El Madariaga, el gobernador sugirió el cambio de nombre, por
lo que pasó a llamárselo gato corriente, por ser ésta la danza más conocida. El autor sostiene
que lo que bailaron los soldados de Madariaga no fue una danza distinta sino el gato mismo,
que en el litoral y en la pampa húmeda poseía cuatro esquinas, lo que lo emparentaba con el
escondido o gato escondido y el triunfo.
La expresión gato correntino o simplemente correntino, resultó necesaria para determinar su
procedencia histórico geográfica cuando las estrofas contrarias a Lavalle comenzaron a
circular por todo el país. Luego se le dio en el ambiente nativista carta de ciudadanía con la
denominación de gato correntino.
Tal como se lo conoce hoy, está emparentado estructuralmente con la chacarera,
armónicamente con el malambo y el triunfo y coreográficamente con este último y con el
escondido.
(Rubén Pérez Bugallo: El Chamamé, Ediciones del Sol, 1996)

Finalizado el s XIX, se bailó en las provincias de Buenos Aires y Santiago del Estero.

Indumentaria

Similar a la del Gato

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente, de movimiento vivo. En cada esquina el
varón se arroja a la conquista de la mujer pero ésta lo esquiva, en aparente rechazo, con lo
que el varón vuelve enojado zapateando a su base, dando la espalda a su compañera, quien
trata entonces de conquistarlo.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso básico. Los bailarines se colocan enfrentados en esquina, en
posición de firmes.

Tramo 1: Esquina hacia la izquierda, en arco, con giro final; saludo en el cuarto compás. Giro
zapateo y zarandeo: el hombre zapatea de espaldas a la dama. Ésta zarandea de frente a su
compañero. Estas figuras se repiten para las otras tres esquinas. Media vuelta. Giro final.

La segunda parte es igual que la primera.

Variantes

Zarandeo: la dama puede zarandear alrededor de su
compañero, pasando por delante de él.
                                         La Huella

Historia

Pertenece al ciclo de los minués y gavotas del s XVIII, siendo española su poesía.

Tuvo presencia activa en todo el territorio argentino, con gran notoriedad durante todo el s
XIX. Pertenece al folklore histórico. Por algunos textos puede inferirse que data de la tercer
década de ese siglo.

Fue declinando en las provincias a principios del s XX

Indumentaria.

Campaña de la Provincia de Buenos Aires, hacia 1900.

Dama: medias de muselina. Zapatos de taco mediano. Vestido enterizo de percal o zaraza en
color liso con pequeños estampados. Escote alto hasta el nacimiento del cuello. Corpiño de la
bata abotonado en la espalda mangas jamón. Cinturón de tela, color oscuro, anudado
marcando la cintura. Pañuelo grande, de seda, al cuello.

Peinado alto (bombé) sobre la frente. Con alguna flor.

Caballero: bombacha angosta. Bota cortita, taco alto, caña blanda, costura lateral. Con o sin
espuelas. En caso de usarlas, deben ser pequeñas, de tipo moderno. Camisa blanca o de otro
color, sin cuello. Blusa corralera sin bordado. Pañuelo al cuello sin extenderse a la espalda.
Chambergo negro o de color, copa chata y hundida. Faja. Tirador con rastra. Cuchillo a la
cintura.

Consultar también indumentaria conforme con las épocas.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso básico. Posición inicial: enfrentados, en firmes.

Media vuelta. Giro. Media vuelta. Giro. Zapateo suave zarandeo. Giro de la dama hacia la
izquierda, tomándoselas manos; se encuentran dentro del sector de la dama, se rozan
suavemente los dedos de las manos derechas en alto y ella gira sobre sí misma hacia la
izquierda, completa el giro y ambos se encuentran, soltándose luego, suavemente, se saludan
y retroceden delicadamente; ya en sus sitios, se saludan . Zapateo y zarandeo, como los
anteriores. Giro de la mujer hacia la derecha igual que el anterior pero tomándoselas otras
manos. Media vuelta. Giro final.

En cuarto: firmes, enfrentados.
Se baila con la misma
coreografía con la diferencia de
que las medias vueltas se
ejecutan en conjunto.
                                      La Jota Cordobesa
Historia

No se trata sino de una adaptación criolla de la jota española.

Desde mediados del s. XIX se la ha bailado en las provincias de Córdoba y también las de La
Rioja y San Luis.

Indumentaria

Similar a la del Bailecito Norteño.

Características

Es una danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso balseado, simple o cruzado,

Posición inicial: firmes, enfrentados.

Media vuelta, sin castañetas. El varón con sus brazos bajos - puede ir zapateando - y la dama
coloca sus manos en la cintura y falda. En el último compás se enfrentan y se detienen
brevemente.

Vuelta entera con castañetas; Giro, con castañetas; saludo con la mano en el último compás.
Contragiro, con castañetas, saludo con la otra mano en el último compás.

Paseos: tomados de las manos, primer paseo hacia la izquierda del varón, avanzando
diagonalmente hacia el frente y el fondo luego dan dos pasos hacia el fondo, en el último se
sueltan, retroceden enfrentándose y se saludan. Segundo paseo: dando el frente al público,
avanzan tres pasos hacia el frente, soltándose y retrocediendo en el último, como en el primer
paseo. El tercer paseo es igual que el primero, hacia el fondo. El cuarto paseo es semejante al
segundo, con girito final de la dama; ambos se sueltan y retroceden y ya en sus sitios, se
saludan.

Vuelta entera, con castañetas. Giro, con castañetas y saludo contragiro, con castañetas, con
saludo en el último compás.

Vals, enlazados, como vuelta entera, volviendo al centro. El caballero hace girar luego a su
compañera sobre la derecha, se sueltan y retroceden y, en el último tiempo, ya desde sus
bases, se saludan.

Vuelta entera con castañetas. Giro con castañetas y saludo en el último compás. Contragiro
con castañetas y coronación, con repique al final.
                 La Resbalosa o Resbalosa Federal o Refalosa
Historia

En la época en que gobernaba Juan Manuel Rosas, el acto de degollar al enemigo se asoció
con la voz resbalar y atrajo el nombre de la danza andina denominada Resbalosa. La voz
resbalosa en este sentido, se transfirió a la Media Caña, muy en boga por entonces, por lo que
la Media Caña Resbalosa se llamó también Resbalosa.

Indumentaria

Provincia de Buenos Aires, 1850

Dama (verano): Sin medias - con zapatillas - , camisa de lienzo, larga, oficiando de enaguas,
con mangas cortas y sueltas. Pollera de algodón de colores vivos estampados o lisos.

Peinado: trenzado suelto. Moñito rojo.

Caballero: botas de potro (abiertas o cerradas en la punta). Espuelas nazarenas de hierro.
Calzoncillo de lienzo, liso, cortado en los bordes, en lugar de flecos. Chiripá rojo, a franjas, o
negro (no muy largo). Camisa blanca sencilla, con puños y cuello abierto volcado. Blusa roja
cerrada, cuello volcado y puños sueltos. Faja de lana. Cinto de cuero, rastra de cuatro
patacones. Gorro de manga rojo, con borla. Eran de uso el bigote, la patilla larga y el cabello
más bien largo.
Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente.

Se baila con castañetas. En las partes vivas se usa el paso común, de gato y en los tramos
lentos, aminuetado.

Coreografía

Esquina hacia la derecha, con castañetas; esquina hacia la izquierda, de espaldas al
compañero, con paso lento, el varón con brazos caídos, la mujer tomando la pollera con
ambas manos; esquina hacia atrás, de espaldas, zapateando y zarandeando.

Tres esquinas de regreso: por el camino anterior, en forma similar. La primera hacia el frente,
con castañetas; la segunda hacia la derecha de espaldas al compañero, con los brazos bajos;
la tercera hacia atrás, con zapateo y zarandeo. Vuelven a sus sitios ejecutando la última
figura.

Vuelta entera, con castañetas.

Media vuelta, con castañetas.

Avance final lento, con los brazos bajos, saludando: avanzan hacia el centro (pasos lentos), y
se saludan con una reverencia.
La segunda parte es igual que la primera
   La Resbalosa (o Refalosa) Pampeana


    Historia

    Pasó hacia Argentina a través de Chile, alrededor de 1835, de allí a los salones y a la
    campaña cuyanos donde tuvo vigencia hasta 1860 y, más débilmente, a las provincias
    de Córdoba, Catamarca, Santiago del Estero y Tucumán. Su nombre alcanzó
    finalmente a resonar en las llanuras del Plata, en los primeros años de su expansión,
    agregándose a la Media Caña, en 1839 o 1840 (llegando incluso a sustituirla
    entonces) y con auge hasta 1880.

    En algunos pueblos andinos de las provincias de La Rioja y Catamarca se cultivó
    hasta 1900 y algo después.

    Indumentaria

    Es similar a la del Gato.

    Características

    Danza picaresca, de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo.

    Coreografía

    Se baila con pañuelo y paso básico común. Posición inicial: firmes, enfrentados.
    Comienza con el pie izquierdo.

    Media vuelta con pañuelo extendido, zigzagueando levemente por la derecha. En el
    comienzo Los pañuelos van extendidos, a la altura de la cara, inclinándolo a cada
    paso; se enfrentan en el centro, y luego se detienen brevemente, saludándose.
    Prosiguen el avance en arco, y dándose el frente, se saludan, el caballero sujetando el
    pañuelo con una mano y la dama sujetando el suyo cruzado sobre la pollera, con
    ambas manos.

    Zapateo con pañuelo en mano derecha, al costado y zarandeo con pañuelo en la
    misma posición anterior.
Media vuelta similar a la primera.

Zapateo y zarandeo como en la primera ocasión.

Cuatro esquinas, con castañetas, por la derecha, con saludo en cada una de ellas: en el
tercer compás avanzan uno hacia otro y se saludan, con una inclinación; en el cuarto
retroceden y se saludan.

Media vuelta con pañuelo extendido. Avanzan uno hacia otro, zigzagueando y
moviendo los pañuelos extendidos; en el tercer compás, unen a éstos en el centro,
formando una especie de cruz y así, dan en el centro una vuelta entera por la derecha,
separándose sobre el final en que se coronan, pasando el caballero su pañuelo
extendido por detrás de la cabeza de la dama, como en la Zamba, llevando la dama el
suyo extendido a la altura de sus ojos.

La segunda parte es igual que la primera.
                                          El Llanto

Historia

La falta de datos sobre el Llanto impide confirmar hipótesis sobre su presunto origen
peruano, su introducción por la zona cuyana y su práctica hacia 1830.

Indumentaria

Es similar a la utilizada para el Gato.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente, de movimiento vivo, con un tramo lento.
Se baila con pañuelo, castañetas, y paso común de Gato.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina.

Cuatro esquinas, hacia la izquierda, con castañetas, con arco en el centro y giro final en cada
una. Avance y balanceo, simulando llanto; avance hacia el centro, con el pañuelo al pecho;
mano izquierda en el hombro derecho del compañero, pañuelo a la frente y balanceo suave.
Medio giro, revoleando los pañuelos. Media vuelta final, con castañetas yendo al centro para
la coronación.
                                       La Lorencita

Historia

Parece que fue bailada - a partir de mediados del s XIX - en las provincias de Santiago del
Estero, tal vez en Tucumán y en parte de Catamarca, a partir de 1860.

También se la conoció como Lorencito.

Indumentaria

Similar al Bailecito Norteño.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo.

Coreografía

Se baila con castañetas y paso básico común. Los bailarines se ubican enfrentados en
esquina, en posición de firmes.

Cuatro esquinas hacia la izquierda, en arco, con giro final en cada una. Después del giro final
en la última, los bailarines se enfrentan, hacen una suave inclinación y se saludan. Saludos:
son cuatro, el primero y tercero con una mano y los pares con la otra.

Dos esquinas. Cuatro saludos. Vuelta entera (de 6 compases) y giro final con coronación
                                       La Mariquita

Antecedentes históricos

Pertenece al folklore histórico. Más reposada que sus parientes cercanas, el Escondido, el
Triunfo y otras de cuatro esquinas.

Se la vio bailar hacia 1825, en Bolivia

Se la recuerda en casi toda Argentina, desde la cordillera hasta el litoral, en mayor grado su
música que su coreografía. Se bailó en los salones aristocráticos de Tucumán. Hacia la
primera mitad del s XIX era danza popular en la campaña pampeana.

Indumentaria

Campaña de la Provincia de Córdoba, hacia 1850.

Dama: sin medias y en zapatillas. Pollera ancha bordeada con ancho volado plegado bata de
corpiño ceñido; mangas con bastante amplitud hasta el codo; volados anchos y plegados en el
borde de las mangas y de la bata. Pañuelo de seda sobre los hombros. Peinado de una trenza.

Caballero: botas de potro, calzoncillo de lienzo liso, cortado en los bordes en lugar de flecos.
Chiripá corto, de color azul intenso con guardas. Camisa blanca común sin cuello. Poncho
largo, calado, de color, con una lista ancha y dos estrechas (en cada borde) de colores
contrastantes. Pañuelo de seda, amplio, al cuello. Sombrero de copa alta, de forma galera.
Cabello largo; barba pequeña y en punta. Bigote.

Si en la música interviene el piano, se utiliza la misma vestimenta que para el Cuando.

Características

Danza de galanteo, picaresca, de pareja suelta e independiente y movimiento vivo. Se baila
con pañuelo y castañetas, empleándose el paso básico.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina.

Esquina hacia la izquierda, con pañuelo, en arco al centro, con giro final. En el segundo
compás, casi en el centro, dándose los costados derechos, los bailarines se saludan con el
pañuelo, en breve pausa y arrancan luego velozmente hacia la esquina, girando en ésta a la
izquierda y en el último paso se saludan con el pañuelo.
Giro con pañuelo.

Repetición de figuras anteriores: 3 veces más.

Media vuelta final, yendo al centro, con castañetas y
coronación.

La segunda parte es igual que la primera.
                                           El Marote

Historia

Desde mediados y hasta fin del s XIX se lo cultivó en las provincias de Tucumán, Catamarca,
Santiago del Estero, Córdoba y Buenos Aires Se lo conoció también como Marotera.

Indumentaria

Es semejante a la del Caramba.

Características

Danza de galanteo y de pareja suelta e independiente. Se baila con castañetas en las partes
vivas, utilizando el paso criollo básico; en las partes lentas se usa, el aminuetado.

Coreografía

Posición inicial: firmes, en esquina.

Esquina hacia la izquierda, en arco, con giro final; al hacerse lenta la música, bajan los
brazos, saludándose luego.

Avance y retroceso de espaldas, por la derecha, con los brazos caídos; los bailarines quedan
de espaldas.

Zapateo y zarandeo: el hombre gira y zapatea de espaldas, volviendo a enfrentar a la dama en
los compases finales. Segunda Esquina, igual que la primera.

Avance y retroceso, similar al anterior.

Zapateo y zarandeo: similar al anterior.

Cuatro esquinas hacia la izquierda, en arco, con giro final.

Avance y retroceso, por la derecha, con los brazos abajo; el varón retrocede y luego de
efectuar un semigiro sobre su izquierda ofrece el brazo derecho a la compañera y ambos,
retroceden de espaldas hacia la esquina de ella; allí se inclinan y saludan.

Segunda parte: repite la primera.
 El Marote Pampeano

  Danza para dos parejas. Posición: firmes, en cuarto. Se baila con pañuelos y
  castañetas. Pasos: similares al Marote.

  Avance, con pañuelo, hacia el medio del cuadro, formando una fila en que se
  intercalan varones y mujeres; en el último compás se saludan los compañeros.

  Retroceso, de espaldas, con pañuelo bajo, dando pasos de minué.

  Zapateo y zarandeo

  Avance, con pañuelo, similar al primero pero en orden inverso.

  Retroceso lento, similar al anterior.

  Zapateo y zarandeo: similar al anterior.

  Cuatro esquinas, por la derecha, en arco, con giro inicial, con castañetas.

  Media vuelta por la izquierda; Avance lento, de un compañero hacia el otro, con paso
  del Cuando; en el cuarto compás se saludan, llevando el pañuelo al hombro derecho
  del compañero.
                                      La Media Caña

Historia

Pareciera un desprendimiento del Cielito, Conocida en Uruguay, Paraguay el Brasil se bailó
en la región platense y en las provincias centrales y hasta las andinas. . Asociada al partido
federal, siguió la suerte de este último: tuvo su auge desde 1838 a 1842 y su decadencia a
partir de 1852.

Es difícil interpretar su ensamble con el Pericón y su vínculo con la danza andina llamada
Resbalosa, célebre en el plata únicamente por su nombre, sinónimo de degüello.

La Media Caña fue muy popular en el litoral y muy poco conocida en la región andina

Indumentaria

Es similar a la del Gato.

Características

Danza de pareja suelta interdependiente. Consta de una sola parte. Se baila con castañetas. El
paso es valsado y cadencioso en los aires de Pericón (entrada y cadenas) y Zamba (balanceos
y giros), y ágil en el del Gato.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados los compañeros.

Vuelta entera de las tres parejas. Se inicia con el frente al público; los bailarines se entrelazan
y salen hacia la izquierda comenzando con el pie derecho. En el anteúltimo compás, los
hombres sueltan las manos y hacen girar hacia la derecha a las damas, quedando al terminar,
en dos hileras separadas, frente al público.

Balanceo, con castañetas: comienza hacia la derecha. Giro, con castañetas.

Balanceo, igual que el primero

Cadena.

Balanceo, con castañetas: comienza hacia la derecha. Giro, con castañetas.

Balanceo, igual que el primero

Cadena

Balanceo, con castañetas: comienza hacia la derecha. Giro, con castañetas.

Balanceo, igual que el primero

Cadena.

.Balanceo, con castañetas: comienza hacia la derecha. Giro, con castañetas.
Balanceo, igual que el primero

Cadena (tiempo de Gato)

Avance, retroceso, y Giro, con castañetas.

Cadena (tiempo de Gato)

Avance, retroceso, y Giro, con castañetas.

Cadena (tiempo de Gato)

Avance, retroceso, y Giro, con castañetas.

Vuelta entera, con castañetas, con un giro.

Zapateo y zarandeo.

Giro con castañetas.

Final (aire de Pericón).
                                    El Minué Federal

Historia

Esta danza tomó notoriedad hacia 1820, como variante criolla de la familia de los minués y
gavotas. Se lo llamó también Minué Montonero o, simplemente Montonero o también
Nacional; más tarde fue llamado Minué Federal o, el Federal, a secas.

Se extendió rápidamente por gran parte de Argentina, decayendo hacia mediados del s. XIX.
Como espectáculo pudo vérselo hasta aproximadamente 1880.

Indumentaria

Es la utilizada en salones de Buenos Aires, hacia 1820.

Dama: medias de muselina blancas, escarpines de seda blanca sostenidos por cintas. Vestido
de seda pesada blanca; talle un poco alto ceñido por un ancho cinturón de seda de color
contraste; escote amplio; mangas cortas; borde de la falda en ondas recogidas por pequeñas
rosas con algunas hojitas verdes. Iguales rosas forman una guirnalda acentuando la unión de
las mangas con el corpiño, en la delantera.

Peinado: alto, adornado con ramilletes de florcitas enlazados por una cinta. Guantes largos
blancos. Collar de perlas o brillantes.

Caballero: medias blancas, zapatos de cuero negro, escotados, con moño o hebilla al frente.
Pantalón de gabardina de color claro, muy estrecho, sujeto por una trabilla debajo del zapato.
Camisa de linón blanco. Cuello alto almidonado. Corbata de seda blanca, ancha, forma
plastrón. Chaleco de seda de color claro. Saco frac de forma ceñida y de color liso e intenso.
Características

Es danza de pareja suelta. Al igual que sus parientes cercanos, la Condición, Cuando y
Sajuriana, se caracteriza por tener un tiempo lento (minué) y otro vivo (allegro), es decir es
grave-viva.

Se baila con paso de minué de cuatro tiempos, pasos simples y de vals. Comienza con el pie
derecho. Consta de una sola parte.

Coreografía

Posición inicial: firmes, en cuarto, con el pie derecho ligeramente adelantado.

Introducción: saludos.

Cuatro esquinas hacia la derecha, con paso de minué; en los dos últimos compases se saluda
al compañero y al contrario. Caballeros con mano izquierda suelta o apoyada atrás; damas
con izquierda en la cintura y derecha sujetando la falda.

Vals: el caballero hace girar previamente a la dama por su derecha, luego las parejas se
enlazan y bailan una vuelta, en el mismo sentido que la vuelta de El Gato.

Pases cambiando lugares. Los compañeros avanzan uno hacia otro, la dama con paso de
minué y el caballero con pasos simples, ofreciendo en el centro la derecha a la dama, que la
toma y da media vuelta en torno de él, con paso de minué; él gira con lentitud. Al quedar en
el centro, enfrentados, dan dos pasos simples hacia atrás y se saludan con una reverencia.
Después, mirando hacia sus contrarios también hacen una reverencia; luego, de frente a su
compañero, lo saludan.

Pases volviendo a sus lugares. Los compañeros ejecutan pases igual que en el tramo anterior.

Vals: como el anterior.

Molinete con las manos derechas unidas: paso de minué. Con brazos derechos hacia el frente
unen sus manos y dan media vuelta hacia la izquierda, cambiando de lugares las parejas. En
el cuarto compás hacen una reverencia al compañero y otra al contrario.

Molinete con las manos izquierdas unidas; paso de minué: unen sus manos izquierdas sobre
el centro y ejecutan un medio molinete igual que el anterior pero girando hacia la derecha; en
el quinto compás hacen una reverencia al compañero y en el octavo una al contrario. Para
terminar todos se vuelven hacia el público y lo saludan con una reverencia final, tomándose
de las manos interiores.
                                        El Pajarillo

Historia

Apareció en San Luis, en el Departamento de El Rincón y es probable que haya venido desde
Perú o bien podría tratarse de una variante zonal del Gato.

Indumentaria

Provincia de San Luis, hacia 1890.

Dama: alpargatas con cintas. Camisa larga (hasta el ruedo de la falda), con bordados en el
borde del cuello, las mangas y la falda. Vestido de corpiño ceñido, mangas estrechas y
pollera amplia, de zaraza o seda pesada. Pañuelo grande de seda con flecos y bordados, sobre
los hombros y el busto. Peinado en dos bandas, con torzada baja sobre la nuca.

Caballero: sin medias. Ojotas. Calzoncillo blanco, largo, de puño, sin atar o atado al tobillo.
Chiripá negro o de a pala o a franjas, bien largo (2m x 1,30m). Faja provinciana de lana
tejida. Camisa sin cuello, blanca o de otro color. Cuchillo a la cintura. Pañuelo al cuello,
puntas a media espalda. Poncho calado (puesto) tipo provinciano. Sombrero panamá de alas
anchas y copa baja y hundida.

Descripción que debe adecuarse a las distintas épocas.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y movimiento vivo, que se baila con
castañetas y paso básico. Posición inicial: enfrentados.

Coreografía

Cuatro esquinas, hacia la derecha y al llegar, se enfrentan brevemente, esbozando una
reverencia. Zapateo y zarandeo. Media vuelta. Zapateo y zarandeo. Giro final y coronación.

La segunda parte es igual que la primera.

La primera versión musical y coreográfica corresponde a Carlos Vega (1948).
                                        El Pala Pala

Historia

Danza totémica cuyo nombre es una voz quichua que significa cuervo, que se ha bailado en
las provincias argentinas de Tucumán, Salta y Santiago del Estero, durante la última parte del
s XIX y primera del s XX, tal vez de origen indígena (araucano o quichua), o quizás una
variante de la Mariquita, hipótesis que se sustenta con afirmaciones sobre su música la cual,
tal como se la conoce en la actualidad, derivaría de aquélla: la comparación de las formas
estróficas, de la estructura total de la composición poética, de las evoluciones coreográficas y
de las versiones musicales, nos revela la casi total identidad de ambas danzas. Esto y la
reducida extensión de la zona en que se conoce, llevan rápidamente a suponer que,
efectivamente no es una danza tradicional distinta sino una cualquiera de las de su género
que ha cambiado de nombre con fecha relativamente reciente o no muy antigua.

Indumentaria

Zona rural de la Provincia de Santiago del Estero, hacia 1880.

Dama: sin medias. Zapatillas blancas (alpargatas). Camisa de lienzo, larga, para servir a la
vez como enaguas y con mangas cortas. Pollera amplia y larga de colores intensos y
adornada con "vuelitos" aplicados, de otro color contrastante. Poncho rústica, sencillo, de
color uniforme, agrisado.

Caballero: sin medias. Ojotas. Pantalón de Barragán, sin doblez ni raya y cordón. Camisa
blanca o de otro color, sin cuello. Faja de lana con puntas colgantes hasta medio muslo.
Poncho rústico. Cuchillo a la cintura. Pañuelo al cuello. Sombrero bayo o marrón con
barbijo, de copa baja.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y movimiento vivo.

Se baila con paso común de Gato o saltado como en el Carnavalito o ambos.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina. Ambos bailarines llevan un poncho sobre los
hombros, que cayendo sobre los brazos, sujetan por sus puntas, imitando las alas del cuervo,
que durante el baile se moverán como tales.

Esquina hacia la izquierda, en arco, con giro final.

Avance y retroceso, moviendo los brazos: el varón intentando atrapar a la mujer y ella
procurando huir.

Media vuelta final, en que el varón cubre a la mujer con su poncho, en el centro del cuadro.

La segunda parte es igual que la primera.
                                          El Palito

Historia

Baile antiguo de la campaña argentina, de carácter picaresco. Como el Fandango y, debido a
que se lo consideró inmoral, fue prohibido en la ciudad capital antes del advenimiento del
virreinato, en 1743. Cuando comenzó a bailarse su letra era a veces un tanto obscena y
siempre llena de expresiones de doble sentido, lo que hizo que poco a poco fuera radiándose
de los centros más cultos. Su restauración se hizo con una letra más adecuada. Su coreografía
tiene bastante semejanza con el Gato. Se bailó hasta fines del s. XIX en la provincia de
Buenos Aires y en las de Córdoba, La Rioja, Santiago del Estero, Catamarca y Tucumán.

Indumentaria

Similar a la indicada para el Gato.

Características

Es una danza de galanteo y de terceto suelto e independiente, de movimiento vivo. La primer
parte es bailada por una pareja, agregándose una mujer a ésta para bailar la segunda.

Coreografía

Posición inicial: en el foro, de frente al público, la dama a la derecha del caballero, tomados
de las manos.

Primera parte

Avance y giro de la dama, tomados de las manos: avanzan hacia el público y en el cuarto
compás el caballero hace dar a la dama un giro rápido hacia adentro mientras da un cuarto de
vuelta hacia ella; luego se sueltan y quedan frente a frente.

Zapateo y zarandeo frente a frente.

Regreso y giro de la dama (como en el tramo 1).

Zapateo y zarandeo: como el anterior.

Avance y giro de la dama, como el anterior.

Zapateo y zarandeo: como el anterior.

Regreso y giro de la dama: como el anterior.

Zapateo y zarandeo: como el anterior.

Vuelta entera, con castañetas realizando un giro en los compases
finales.
Avance final, con giro de la dama y saludo al público.

Segunda parte

Se baila con una dama más. Las damas se colocan a ambos lados del caballero.
                                       La Palomita


Historia

No existen casi noticias sobre ella. Parece provenir de Paraguay, desde donde se habría
extendido a la región Argentina lindante con este país.

Indumentaria

Similar a la de la Chamarrita.

Característica

Danza de galanteo de pareja suelta y también enlazada. Se baila con paso similar al del Gato
y con castañetas.


Coreografía

Media vuelta, con castañetas, saludo similar al de la Lorencita y giro rápido.

Media vuelta: similar a la anterior.

Polka: el caballero le hace dar un pequeño giro a la dama y luego se enlazan. Al dejarla en el
lugar, también le hace hacer un girito. El varón puede zapatear, mientras la mujer danza
suelta.

Media vuelta, con saludo y giro, igual que las anteriores. Al terminar se encuentran en el
centro, haciendo un saludo final.
                                           La Patria

Historia

Se cultivó en las provincias de Santiago del Estero y Buenos Aires, durante el s XIX.

Indumentaria

Similar a la del Gato

Características

Danza de galanteo de pareja suelta e independiente y movimiento vivo. .Se baila con pañuelo
y castañetas, con paso básico.

Coreografía

Posición inicial: en firmes enfrentados.

Avance y retroceso del hombre, con pañuelo, zapateando, mientras la dama zarandea o
zapatea en su lugar, con el pañuelo sobre la falda. Antes que el hombre comience a
retroceder, se saludan. Avance y retroceso de la dama con pañuelo, zapateando, mientras el
caballero zapatea en su lugar; repitiendo el saludo. Posteriormente, el varón la acompaña y
vuelve luego bajando el pañuelo.

Zapateo y zarandeo.

Vuelta entera, con castañetas.

Flancos con pañuelos, dándose primero los lados izquierdos y luego los derechos, saludando
después ligeramente.

Avance y retroceso con pañuelos: avanzan dos pasos hacia el centro, girando antes sobre pie
derecho, unen sus pañuelos a la altura de la cintura, inclinándose un poco, y retrocediendo
después rápidamente un paso, bajando el pañuelo y llevándolo a la izquierda; retroceden otro
paso, llevando el pañuelo hacia la derecha y abajo.

Media vuelta con pañuelo. Giro final, con pañuelo y coronación:
                                        El Pericón
Historia

Fue probablemente, en sus comienzos, una variante del Cielito, ya que estuvo durante
décadas relacionada con éste.
La voz pericón, como bastonero o conductor, se halla ya en obras teatrales del s XVIII.
El chileno José Zapiola afirmó que el Gral. San Martín lo llevó a Chile en 1817, junto con el
Cielito, la Sajuriana y el Cuando.
Se bailaba, avanzada la mitad de s XIX, en la campaña del este argentino. Mantegazza lo
recuerda como la danza más común en Entre Ríos mientras que Ventura Lynch lo califica
como uno de los lindos bailes del gaucho - se toca tanto en la provincia de Buenos Aires
como en el interior y la Banda Oriental.
Cuando ya declinaba, su incorporación al drama Juan Moreira, que representaba el circo, lo
revivió hacia fines del s. XIX.

Indumentaria

Es similar a la del Gato.

Características

Danza de conjunto de parejas sueltas e interdependientes.
Es dirigida por el llamado bastonero, que en dos tiempos (aviso y ejecución o ¡ahura!) ordena
las figuras a ejecutar, en orden y cantidad previamente establecidas por los bailarines.

Se baila con castañetas y pañuelo grande que al comenzar los bailarines llevan al cuello. El
paso es valsado. Comienza con el pie derecho.

Esta danza consta de una sola parte.

Coreografía (9 parejas)

Introducción (8c)
Las parejas darán un paseo alrededor del escenario, debiendo colocarse antes de terminarse la
música, formando dos filas.

Espejito (12c)
A la voz de mando (¡Ahura!) comienzan con el pie izquierdo los caballeros y con el derecho
las damas, ejecutando tres compases en su sitio, girando los caballeros sobre el lado
izquierdo y las damas sobre el derecho. En el cuarto, previa voz de mando, los caballeros
toman con su mano derecha la misma de su dama y le hacen ejecutar una vuelta debajo del
brazo; luego, sin soltar la mano, la levantan y le forman un arco sobre la cabeza tomándose
también de la otra mano que colocarán detrás de la espalda de los mismos. Todos los
bailarines se hallarán dando frente al público; los caballeros interiormente, las damas al
exterior.
Las parejas de la fila izquierda forman el arco con la mano izquierda y las damas se
colocarán a la izquierda de los caballeros, mientras las damas de la otra fila quedarán en
sentido contrario.
En la posición espejito las dos filas ejecutan ocho compases de balanceo en su sitio.
La fila de la derecha empieza con el pie izquierdo y la de la izquierda con el derecho ambas
aproximándose y alejándose entre sí, durante ocho compases.

Una vueltita a su compañera (4c)
Al deshacer la posición anterior, los caballeros hacen ejecutar a sus parejas una vuelta debajo
del brazo; seguidamente una vuelta de mano derecha, marchando uno detrás de otro con paso
de Pericón; luego los caballeros hacen dar a sus damas una vueltita debajo del brazo, hacia
adentro.

Un molinete con la contraria (4c)
Los caballeros toman con su mano derecha la izquierda de su dama y ejecutan hacia adelante
tres compases con paso de Pericón. Al cuarto compás, encontrándose las damas de las dos
filas, toma cada una de ellas con su mano derecha la misma de su bis a bis y los caballeros
vuelven solos a sus sitios.

Ahura (8c)
Las damas ejecutan con paso de Pericón, ocho compases de molinete, sosteniéndose el
vestido con la mano izquierda.

A coronar a su compañero (4c)
Las damas se sueltan de las manos y van a tomar con su mano izquierda la misma de su
compañero, quien estará rodilla en tierra.
Las damas dan una vuelta alrededor de sus compañeros y luego estos se levantan tomando
con su respectiva dama la postura de los bailes girados.

Siga el Vals (6v)
Todas las parejas ejecutan el vals girado, en círculo.

Una vueltita a su compañera (3c)
Los varones hacen dar a sus compañeras una vueltita debajo de su brazo derecho, dando la
espalda al círculo y la dejan pasarla delante hacia otro caballero, mientras ellos esperan a otra
dama a la cual harán efectuar la misma vuelta y seguirá hacia adelante hasta otro caballero.

Siga el Vals (6c)
A medida que se encuentran las parejas en el orden descripto, toman posturas de bailes
girados y siguen el vals

Una vueltita (3c)
Los caballeros hacen dar a las damas una vueltita debajo del brazo y estas siguen hacia otro
caballero.
Otra vueltita
Las damas dan vuelta debajo del brazo del caballero que han encontrado y siguen hacia el
otro.

Descanso (6c)
Las damas toman posturas de bailes girados en cuya posición descansan con el caballero que
ha salido al encuentro

Una vueltita (6c)
Los caballeros hacen ejecutar a las damas una vuelta debajo del brazo y las dejan seguir
adelante, para hacer repetir este movimiento a las damas que vienen hacia ellos.

Una carguita (6c)
Los caballeros toman de sobre sus hombros con sus manos las de las damas que vienen detrás
de ellos y en esta posición siguen marchando alrededor del círculo.

Una vueltita (6c)
Los caballeros hacen dar una vuelta debajo del brazo derecho a las damas y las dejan seguir
hacia adelante, para repetir ese mismo movimiento con la primera que llega a ellos.
Vals con su compañera (18c)
Hallándose cada caballero con su dama toma la posición de baile girado y baila vals en
círculo hasta llegar a su sitio, donde hace dar a su dama una vuelta debajo del brazo y quedan
como en la primera posición.

Ahura (4c)
Comienzan los caballeros con pie izquierdo y damas con el derecho, girando los primeros
sobre el lado izquierdo y ellas sobre el derecho, ejecutan tres compases de Pericón.

A formar espejito (4c)
Al llegar el cuarto compás, los caballeros con su mano derecha toman la misma de su dama,
imprimiéndole una vueltita debajo del brazo. Sin soltarse las manos, las levantan en alto
formando un arco sobre las cabezas de las damas y se toman también de las otras manos
colocándolas detrás de las espaldas de los caballeros. Éstos quedan en el interior del cuadro y
las damas en el exterior, todos de frente al público.

Ahura (8c)
En esa posición espejito las dos filas ejecutarán ocho compases de balance en su sitio sin
avanzar ni retroceder, empezando la fila de la derecha con el pie izquierdo y viceversa la de
la izquierda, empleando el mismo pie las damas y los caballeros, aproximándose y
separándose las filas en cada compás.

Una vueltita a la compañera (4c)
Las parejas deshacen el espejito y los caballeros hacen ejecutar a las damas una vuelta debajo
del brazo y luego una vuelta de manos derechas marchando uno tras otro a paso de Pericón y
si apartarse de su sitio.

Otra vueltita (4c)
Los caballeros hacen dar a las damas otra vueltita hacia el interior del cuadro.

Una demanda con la contraria (8c)
La dama de cada fila toma con su mano derecha la misma de la que está bis a bis y con la
izquierda, la misma del caballero bis a bis, cambiando así de compañero.
Sin moverse de su sitio, los caballeros levantan el brazo haciendo dar a las damas una vuelta
alrededor de ellos; para volver a sus sitios, las damas se dan nuevamente las manos derechas
en el centro y van a coronar a su respectivo compañero como lo hicieron con su bis a vis.

Rueda General (8c)
Todos se toman de la mano formando una rueda y bailan hasta que se detiene la música.

Relaciones (8c de vals lento)
Todas las parejas quedan detenidas en su sitio excepto la más cercana al foro, que girando
bailará vals hasta llegar al centro del círculo, donde previo una vuelta de la dama debajo del
brazo de su compañero, se separarán quedando bis a vis. Se interrumpe la música.
El caballero dice su relación y luego tomando la mano derecha de la dama, le hará dar una
vuelta por debajo de su brazo derecho.
Cuando ella finaliza su contestación, vuelven balseando a sus sitios, terminando con otra
vueltita.
Así desfilarán todas las parejas.

Rueda general (8c)
Todos marchan sobre la derecha, a compás.

Damas al centro y caballeros afuera formando doble rueda (8c)
Las damas sueltan las manos de los caballeros y van hacia el centro a formar otra rueda,
marchando enseguida hacia la izquierda. Los caballeros forman rueda externa, marchando
hacia la derecha.

A coronar a su compañera llegando a ella (4c)
Al encontrarse con sus respectivas damas, los caballeros levantan los brazos y los pasan por
delante de ellas.

Ellas a nosotros y nosotros a ellas en el mismo tiempo (4c)
Sin soltarse las manos, los caballeros pasan la cabeza por debajo de los brazos de las damas
quedando también entrelazados todos.

Armas al hombro con su compañera (4c)
Se sueltan todos de las manos y marchan sobre la derecha; los caballeros adelante toman de
sobre sus hombros las manos de sus damas y marchan en esa posición.

A formar pabellón (10c)
Los caballeros hacen dar una vuelta debajo de sus brazos a las damas y enseguida toman,
como en el paseo, con su brazo derecho el izquierdo de ellas y marchan hacia la izquierda.
Las damas toman una extremidad de su pañuelo con la mano derecho; la otra la toma el
caballero con la izquierda. Las damas juntan sus manos derechas en el centro de la rueda y
marchan siempre hacia la izquierda.

Una rueda entrelazada (7c).
Damas y caballeros dando la espalda al centro se toman las manos y entrelazados, marchan
sin abandonar los pañuelos.
Rompan rueda y un paseo hasta su sitio.
Se sueltan las manos y tomando cada caballero con su brazo derecho el izquierdo de su
compañera que lleva con la derecha la extremidad del pañuelo, cuya otra lleva el caballero
con su mano izquierda, con los brazos levantados a una misma altura dan un paseo hasta
llegar a su sitio y se colocan bis a bis, encontrándose las dos filas de caballeros en el interior
del cuadro.

Balanceo (4c)
Siempre sujetando los pañuelos, damas y caballeros ejecutan tres veces seguidas tres pasos
hacia la derecha y tres hacia la izquierda, unos frente a otros.

Pausa (4c)
Se detienen durante un compás. Los caballeros, con los acordes musicales, dan durante
cuatro compases golpecitos en el suelo, alternando el pie derecho con el izquierdo. Luego
dan otro golpecito y ponen rodilla en tierra delante de su compañera y sueltan el pañuelo que
se hacen pasar al cuello las damas, dando una vuelta sobre sí mismas.
Enseguida se levantan los caballeros.

Gato (21c)
Las damas toman con sus manos las dos extremidades del pañuelo que tienen al cuello y dan
lo mismo que los caballeros, una vuelta sobre sí marchando después hacia la derecha
seguidas detrás por sus compañeros. Se formarán dos ruedas en cada fila, de dos parejas cada
una.
Este movimiento se repite durante ocho compases más.
Vuelven a colocarse bis a bis; las damas, sujetándose el vestido con las dos manos, hacen
balanceo empezando con el pie izquierdo y dando tres pasos hacia ese mismo lado y tres
hacia la derecha.
Los caballeros ejecutan simultáneamente los mismos movimientos empezando también con
el pie izquierdo.
Los caballeros, continuando frente a frente con sus damas, ponen rodilla en tierra y con su
mano derecha toman la misma de su compañera.

Luego se levantan y, tomando con su brazo derecho el izquierdo de su compañera, cada
pareja cambia entre sí el saludo final.


Las figuras del pericón antiguo son:


Espejo: el hombre toma de las manos a la mujer y llevándoselas por sobre el hombro, la hace
dar una vuelta, quedando en su sitio.
Cadena: los bailarines van valsando, recorriendo pareja por pareja hasta llegar a la propia.
Armas al hombro: los hombres toman de las manos a las mujeres y las colocan a retaguardia,
pero las manos sobre el hombro; luego la posición se invierte.
Cielo: cada varón coloca a su compañera frente a él, valsando con castañetas hasta quedar en
la primera posición.

A fines del s. XIX, el circo introdujo muchísimas figuras más, de las que se enumeran unas
pocas:

La balseada - Las Jarras - El Espejito - La Cadena - Los Arcos - El Paseo - Doble Espejo - El
Pabellón - Otro Pabellón - La Rosa – Final
                                            El Pollito

Historia

Se habría bailado en las provincias de San Luis, Córdoba, La Pampa y Buenos Aires, en el x.
XIX. La falta de noticias sobre ella podría deberse a que tal vez se tratara de una variante del
Gato en esas zonas.

Indumentaria

Es similar a la empleada para el Gato.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas, en paso criollo común.

Coreografía

Avance y retroceso en diagonal, hacia el centro, con castañetas, y saludo entre los bailarines
del mismo sexo al avanzar y entre compañeros después del retroceso. Repite.

Giro, con castañetas.

Cadena con un molinete en la mitad.

Media vuelta con castañetas.

Zapateo y zarandeo.

Giro final, con castañetas, y coronación.

La segunda parte es igual que la primera.
                                          El Prado

Historia

Se cultivó en Buenos Aires, durante el s XIX. También se conoció en Santiago del Estero y
Tucumán.

Indumentaria

Campaña de la Provincia de Buenos Aires, hacia 1900.

Dama: medias de muselina blancas o negras. Zapatos de tacón mediano. Blusa abotonada en
la delantera con mangas denominadas jamón (abultadas en la parte superior y estrechas en el
antebrazo). Escote cerrado, con cuello amplio, con algún adorno en el borde: voladitos o
galón. Esta prenda se confeccionaba con toda clase de telas: sedas, terciopelos, algodones de
color y fino linón blanco con deshilados, bordados, alforzados y puntillas. La falda, puesta
encima de la blusa, de preferencia en colores lisos y oscuros, larga y no demasiado amplia,
en telas de seda gruesa o lanilla fino hilo.

Peinado: tirado hacia arriba en torzada alta.

Caballero: calzoncillo largo, blanco, de puño. Bota porteña, de caña blanda, cortita, color
negro. Espuelas de plata (nazarenas). Camisa sin cuello con alforcitas en la pechera. Faja tipo
vasco. Tirador de suela con monedas y rastra. Blusa corralera sin bordados, de largo hasta la
mitad o borde inferior del tirador, preferentemente color negro o azul oscuro. Chiripá de
merino negro, largo (2m x 1,30m), con ninguno o escasos bordados. Pañuelo de seda al
cuello, llegando hasta media espalda. Sombrero porteño, ribeteado, de alas cortas, copa
redonda, algo alta, sin abollar, con barbijo.

Consultar también, conforme con las épocas.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y movimiento vivo. Se baila con
pañuelo, castañetas, y paso de Gato.

Coreografía

Travesías, con pañuelo, yendo los hombres en diagonal y las damas por los laterales. En la
esquina opuesta, los hombres saludan a la dama contraria y retroceden de espaldas.

Otras travesías: con pañuelo, en éstas son las damas quienes
avanzan en diagonal por la derecha y los hombres por los
laterales.

Media vuelta con castañetas y saludo entre los compañeros al
terminarla. Zapateo y zarandeo. (Repite)

Giro, con pañuelo, saludando cada dos pasos. Contragiro, con
pañuelo.

Media vuelta, con castañetas.
Giro final con castañetas y coronación.
                                       El Remedio
Historia

Danza originada en el x. XIX. Pertenecería al folklore vivo, pues se lo ha visto bailar
contemporáneamente en las provincias de Catamarca, Santiago del Estero y Tucumán (Valles
del Tafí).

Indumentaria

Similar a la del Prado.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo.

Coreografía

Se baila con pañuelo y con paso básico. Los bailarines se disponen en posición de firmes,
enfrentados en esquina.

Cuatro esquinas, con pañuelo, hacia la izquierda, en arco, con giro final en cada una.

Vuelta entera, con pañuelo, con un giro rápido al final.

Zapateo y zarandeo.

Vuelta entera, con giro rápido al final. Zapateo y zarandeo

Media vuelta, con castañetas. Giro final, con castañetas.
                                      La Remesura

Historia

Podría tratarse de una variante del Remedio o bien tener origen peruano, donde la Iglesia la
prohibió.
Se bailó durante el s. XIX en las provincias de Catamarca y Santiago del Estero.

Indumentaria

Similar a la del Bailecito Norteño.

Característica

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
pañuelo.

Coreografía

Vuelta entera con pañuelo, con saludos. Giro, con pañuelo. Zapateo y zarandeo. Giro con
saludos en compases pares. Contragiro: con saludos igual que en el giro. Vuelta entera: con
pañuelo, igual que la anterior. Zapateo y zarandeo. Media vuelta, con pañuelo, con saludos al
final. Giro final: con pañuelo y coronación.
                                       La Sajuriana

Historia

Es una de las danzas que llevó el General San Martín a Chile. En Argentina probablemente
se extinguió al promediar el s. XIX sin dejar rastros.
Según José Zapiola, ingresó a Chile en 1817, junto con el Cielito, el Pericón y el Cuando.

Indumentaria

Salones de la Ciudad de Buenos Aires, hacia 1817.

Dama: medias de muselina blanca; escarpines de seda de color negro y otro, sujetos por
cintas. Traje de raso blanco; talle muy alto y ceñido debajo del busto; escote amplio; mangas
cortas y abullonadas; pequeños volados bordeando el escote y las mangas. Sobre el centro de
los volados y en el borde de la falda, una guarda bordada con hilos dorados y algunas sedas
de colores.

Peinado: cabello dividido por el centro, sobre la frente; recogido alto en torzada sujeta con
cintas, hilos de perlas o alguna pequeña coronita.

Joyas: collares de perlas o brillantes; aros en forma de caravana, de brillantes. Guantes
largos.

Caballero: zapatos de cuero negro, escotados, con moño o hebilla de adorno. Pantalón de
gabardina, muy estrecho, con trabilla debajo del zapato; de preferencia de color claro.
Camisa de linón blanco de textura muy liviana, con "jabot", y volados con puntillas en los
puños. Cuello muy alto y almidonado. Chaleco de seda (de colores claros) con abotonadura
cruzada o derecha y solapa larga y amplia, saco modelo "frac" muy ceñido y en colores
preferentemente oscuros y lisos, con anchas solapas.

Características

Danza cortesana, grave viva, de pareja suelta e independiente. Consta de tiempos de minué y
otros de allegro, valsados.

Coreografía

Posición inicial: en firmes, con el pie derecho preparado un poco adelante del izquierdo para
comenzar y enfrentados.

Posición en tramos lentos: dama con una mano en la cadera y la otra en la pollera; caballero
con brazos sueltos o mano izquierda atrás. El paso caminado.
En las partes vivas se usa el paso valsado.

Primer Semicírculo, con paso común, lento: avanzan hacia el centro, haciendo una pausada
reverencia lateral.

Segundo Semicírculo, mismo paso: al llegar a las líneas contrarias, se saludan.

Tercer Semicírculo, mismo paso: se dirigen hacia el centro nuevamente, igual que en el
primero.

Cuarto Semicírculo, mismo paso: avanzan hacia sus lugares, haciendo reverencia al final.
Vuelta entera con paso valsado, lento, haciendo castañetas.

Primera Travesía avanzan uno hacia otro, se dan paso, se toman las manos al pasar, se
sueltan y siguen hasta el punto contrario. Todo con el paso suave del comienzo.

Segunda Travesía, como la anterior.

Media vuelta: con paso valsado, lento y castañetas.

Zapateo y zarandeo, muy moderados.

Avance Final: con paso común, lento: dos pasos de cuando hacia el centro, llevan el pie
izquierdo hacia atrás y, cargando el peso del cuerpo sobre él, hacen una reverencia y saludan.
                                        El Salta Conejo



Historia

No se tiene información cierta, más que la suposición de que se habría bailado en Santiago
del Estero y zona de influencia.

Indumentaria

Similar al Bailecito Norteño.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas y pañuelo, y con paso básico.

Coreografía

Posición inicial: firmes, en esquina.

Giro con castañetas. Contragiro, con castañetas. Zapateo y zarandeo. Media vuelta, con
castañetas. Giro, con castañetas. Zapateo y zarandeo.

Esquina, por derecha, con castañetas y giro final; en el último compás se saludan. Esquina
similar a la anterior.

Saludos, con pañuelo; Describen una figura con forma de cuadrado pequeño por la derecha,
dentro de su sector, con dos pasos por lado y saludándose en cada vértice.

Media vuelta final, con pañuelo, yendo al centro, donde se coronan.

La segunda parte es igual que la primera.
                                         El Sereno

Historia

Danza cuyana, perteneciente al folklore histórico.

Indumentaria

Es similar a la del Gato.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas y paso básico.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados.

Vuelta entera. Zapateo (de espaldas) y zarandeo circular igual que el del Gato Correntino.

Media vuelta. Giro. Zapateo el caballero, de frente; la dama escobillea de espaldas a él.

Media vuelta. Giro. Zapateo y zarandeo circular.

Media vuelta. Giro final y coronación.

La Segunda parte es similar a la primera.
                                         El Sombrerito


Historia

Se lo ha cultivado o se lo cultiva aún en Santa Fe, Córdoba, Tucumán, La Rioja, Mendoza,
Santiago del Estero y San Juan

Indumentaria

Provincia de Tucumán, 1879.

Dama: vestido enterizo, abotonado en la espalda, de faya de seda color verde corpiño ceñido
hasta la cintura; descote alto; mangas amplias; pollera amplia y larga, pero sin llegar hasta el
suelo. Medias de muselina. Zapatos de cuero con taco mediano, con pequeñas hebillas.
Pañuelo de seda al cuello. Peinado recogido en torzada baja.

Caballero: botas de potro. Calzoncillo de puño. Camisa común lisa, blanca o de otro color.
Chiripá celeste y blanco (bandera). Poncho liviano al hombro. Faja. Tirador con monedas y
rastra. Cuchillo a la cintura. Pañuelo de seda al cuello. Sombrero de copa baja y ala pequeña.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Utiliza como
elemento al sombrero y se baila con castañetas y paso básico. En la parte lenta se usa el paso
simple o aminuetado.

Coreografía.

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina, con sombreros puestos.

Esquinas hacia la izquierda, en arco, con giro final, llevando el sombrero puesto.

Primera esquina: Después del giro final en la esquina, al cantarse corumbá se quitan
el sombrero y lo llevan sobre el pecho, saludándose, haciendo al mismo tiempo, una
inclinación.

Segunda esquina: moviendo el sombrero a cada paso, a izquierda y derecha, como
saludo. Al llegar a la esquina hacen el giro y bailan los últimos dos compases en su
lugar, saludándose mientras se colocan el sombrero.

Tercera esquina: similar a la primera.

Cuarta esquina: igual que la segunda pero dejando suavemente el sombrero en el
suelo, apoyado sobre las alas.

Figura de ocho, con castañetas, alrededor de los sombreros. Ya frente a frente,
recogen los sombreros en su lugar, lo llevan al pecho y se saludan, inclinándose.

Avance final con el sombrero en la mano. Al cantarse co-ru-mbá avanzan hacia el
centro, con el sombrero sobre el pecho; luego adelantan apoyando la punta del pie
izquierdo, se inclinan levemente y enlazan sus brazos. Con el segundo co-ru-mbá
ejecutan medio molinete por la izquierda; luego apoyan delante la punta del pie
izquierdo, hacen una inclinación y se colocan el sombrero, saludándose.
                                         El Triunfo

Historia

Puede afirmarse que es de origen peruano, como tantas otras danzas. Tanto su música como
su coreografía reflejan los rasgos europeos de los salones.
Su presencia argentina data de la tercera década del s. XIX; se conoció en todo el territorio y
contemporáneamente ha sido bailada en el noroeste.

Pertenece ya al folklore histórico

Indumentaria

Zona rural de la Provincia de Buenos Aires, hacia 1870.

Dama: medias blancas, zapatos de taco bajo o escarpines. Camisa larga y amplia, con
bordados en los volados del ruedo de las mangas y la falda, que se convierte en enaguas.
Pollera larga y amplia, de color. Bata de color contrastante en forma de chaqueta bien ceñida,
con faldita abotonada en la delantera. Mangas amplias en los hombros y estrechas en el bajo,
dejando asomar los volados de las mangas y el cuellito. Pañuelo de seda sobre los hombros.

Peinado: de torzada bajo o trenzas.

Caballero: botas de potro con solapas, cordón y borlas debajo de las rodillas. Calzoncillo de
puño. Chiripá azul con listas de color. Camisa común blanca o de otro color. Faja. Tirador
con rastra. Poncho al hombro o calado. Pañuelo de seda blanco o de otros colores, cubriendo
la cabeza debajo del sombrero. Sombrero de copa baja y ala pequeña. Cabello algo largo,
bigotes y barba rodeando las mejillas y sobre el mentón.

Consultar también por época.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
castañetas y paso básico.

Coreografía

Posición inicial: firmes, enfrentados en esquina.

Esquina hacia la izquierda, en ángulo al centro, de frente,
con un avance final: dos pasos hacia el centro, quedando
enfrentados; giran hacia la izquierda y retroceden de
espaldas. Con otros dos pasos avanzan al centro, se
enfrentan y bajan los brazos.

Zapateo y zarandeo (desde el centro hacia la esquina).

Se repiten estas dos figuras, tres veces más.

Media vuelta final. Giro final. Coronación.
                              El Tunante Catamarqueño

Historia

Se habría bailado en la provincia de Catamarca, en las últimas décadas del s. XIX.

Indumentaria

Similar a la del Bailecito Norteño.

Características

Danza de galanteo, de pareja suelta e independiente y de movimiento vivo. Se baila con
pañuelo, castañetas y paso común.

Características

Posición inicial: firmes, sobre la mediana.

Travesía por la derecha, con pañuelo: avance por la derecha pañuelos afuera, y saludo;
regresan sobre sus pasos, repitiendo los saludos.

Travesía por la izquierda: similar que la anterior: pañuelos adentro.

Avance con saludos, con pañuelo: avance hacia el centro, haciendo tres saludos - uno cada 2
c - cambiando de frente en cada uno de ellos; regresan por el mismo lado, repitiendo los
saludos.

Giro rápido sobre la izquierda y vuelta entera, con castañetas.

Avance con saludos, con pañuelo. Es similar al anterior, con la diferencia de que, luego del
tercer saludo, el caballero, dando el frente a su compañera, se arrodilla sin dejar de agitar su
pañuelo.

Vuelta final de la dama, con pañuelo: comienza con un semigiro, se acerca al caballero y,
tomándole la mano lo hace incorporar. Sin soltarse, cambian de lugar, por la derecha. Quedan
tomados de las manos y saludándose.

La segunda parte es igual que la primera.
                                         La Zamba

Historia

Deriva de una danza peruana que diera origen a la Zamacueca. Aquella danza - Zamba - se
conoció en Argentina alrededor de 1815 y fue absorbida por la Zamacueca, aunque siguió
utilizándose el nombre de Zamba para referirse a la Zamacueca o Cueca, que será más lenta o
más rápida de acuerdo con el lugar en que se baile y el intérprete que la ejecute. En cuanto al
uso del nombre, sirva como ejemplo que en la provincia de Tucumán se utilizan los nombres
de Zamacueca o Chilena o Zamba o Cueca, en la de Formosa Zamacueca o Chilena y en la
mayor parte del país, Zamba o Cueca. En Santiago del Estero, Tucumán y Salta se asimilan
Zamba o Chilena.

Es muy probable que la Zamacueca haya ingresado a la Argentina por la provincia de
Mendoza, hacia 1825. Luego se expandió hacia el noroeste.

Indumentaria

Ciudad de Córdoba, hacia 1867.

Dama: medias de muselina, zapatos de cuero con taco, no muy alto. Pollera larga y amplia.
Corpiño de la bata bien ceñido, hasta la cintura, terminando en un volado ancho. Mangas
largas amplias en la unión con el corpiño y estrechas en el antebrazo. De escote cerrado con
algún cuellito volado ancho rodeando la espalda, hombros y sobre el busto.

Peinado: dividido en dos bandas de cabello recogido en torzada baja sobre la nuca.

Caballero (de la campaña): botas altas acordonadas en su parte inferior, colocadas encima del
pantalón. Pantalón, camisa blanca o de color, faja de lana provinciana, puntas colgantes hasta
medio muslo, sin cinto. Saco largo claro, abotonado bien arriba y abierto abajo. Poncho de
verano al hombro. Sombrero panamá de alas anchas, copa baja y barbijo.

Consultar también conforme con las épocas.

Características

Es una danza de galanteo, de pareja suelta e independiente. Es la más apasionada de las
danzas argentinas, por su representación del amor traducida en el asedio que con el pañuelo
lleva a cabo el varón. Utiliza paso especial para esta danza.

Coreografía

Posición inicial: en firmes, pañuelo en mano.

Vuelta entera (16 c), con encuentro en el centro, llegando con series de cuatro pasos. Los
primeros pasos se hacen caminados, sin movimiento de pañuelo. Después éste comienza a
moverse, bajándolo un poco en el cuarto paso de cada serie y subiéndolo en el primero de la
siguiente. Al terminar la vuelta los bailarines quedan en el centro, enfrentados;

Arrestos (8 c): el primero, hacia la izquierda, en un pequeño arco, los bailarines enfrentados a
muy corta distancia entre sí hasta llegar a los lugares opuestos, desde donde se saludan.
Luego salen hacia la derecha por el mismo camino, comenzando con pie derecho; con cuatro
pasos dibujan un arco más amplio, para dejar el centro y retornar hacia sus bases, agitando el
pañuelo; ya enfrentados, se saludan.

Media vuelta (8 c): hacia el centro. Comienzan con pie izquierdo y la completan con dos
series de cuatro pasos cada una. Al terminarla quedan en el centro. En la primera serie, los
pañuelos se agitan; en la segunda lo van extendidos, tomado con ambas manos, a la altura del
pecho.

Arrestos (16 c). Primero: hacia la izquierda, saliendo con el pie izquierdo. Segundo: hacia la
derecha, saliendo con el pie derecho. El pañuelo se lleva caído hacia el mismo lado. Tercero;
Hacia la izquierda; Salida: hacia la derecha, agitando el pañuelo como despedida. Al finalizar
quedan en lugares opuestos.

Media vuelta (8 c), al centro.

Arrestos (8 c), como en el segundo tramo.

Media vuelta final (7 c), con cambio de posiciones y yendo al centro. En la serie inicial, con
los primeros pasos, el pañuelo va en lo alto y sobre el final baja con el saludo. En la siguiente
serie se agita arriba, llevándolo al final al hombro izquierdo del compañero, coronándolo.

En la segunda parte el varón logra rendir (coronar) a la mujer, lo que se representa al colocar
suavemente su pañuelo extendido, tomado con ambas manos, por detrás de la cabeza de ella.
                                     La Zamba Alegre



Historia

Se carece de antecedentes sobre ella. Procede probablemente de Santiago del Estero, desde
donde se habría extendido a toda la región central del país.

Indumentaria

Ver la Zamba.

Consultar también conforme con las épocas.

Coreografía

Posición inicial: en firmes, pañuelo en mano.

Vuelta entera (16 c), con encuentro en el centro, llegando con series de cuatro pasos. Los
primeros pasos se hacen caminados, sin movimiento de pañuelo. Después éste comienza a
moverse, bajándolo un poco en el cuarto paso de cada serie y subiéndolo en el primero de la
siguiente. Al terminar la vuelta los bailarines quedan en el centro, enfrentados;

Arrestos (8 c): el primero, hacia la izquierda, en un pequeño arco, los bailarines enfrentados a
muy corta distancia entre sí hasta llegar a los lugares opuestos, desde donde se saludan.
Luego salen hacia la derecha por el mismo camino, comenzando con pie derecho; con cuatro
pasos dibujan un arco más amplio, para dejar el centro y retornar hacia sus bases, agitando el
pañuelo; ya enfrentados, se saludan.

Vuelta entera (8 c): con castañetas, similar a la de Chacarera.

Zapateo y zarandeo: (8 c) Similar a los de Chacarera

Vuelta entera (16 c) y arrestos (8 c): similares a los del inicio.
Arrestos (8 c), como en el segundo tramo.

Media vuelta final (7 c), con cambio de posiciones y yendo al centro. En la serie inicial, con
los primeros pasos, el pañuelo va en lo alto y sobre el final baja con el saludo. En la siguiente
serie se agita arriba, llevándolo al final al hombro izquierdo del compañero, coronándolo.

En la segunda parte el varón logra rendir (coronar) a la mujer, lo que se representa al colocar
suavemente su pañuelo extendido, tomado con ambas manos, por detrás de la cabeza de ella.
                                      El Malambo

Historia

Es una danza del folklore histórico. El nombre, como danza, se conoció en Perú (también en
Chile) en donde recorrió los salones aristocráticos para luego descender a las clases
populares. Probablemente sea derivado del "Zapateo" rebautizado en el barrio Malambo, de
Lima.

Se practicó en la campaña pampeana o zonas del centro y noroeste, desde las últimas dos
décadas del s XVIII hasta las dos primeras del s XX.

Indumentaria

Conforme cada época: hasta 1820, 1821/1870 y 1871/ 1920.

Características

Es la danza individual más importante y difundida en Argentina, donde se practicaron las
formas

Individual: el bailarín ejecutaba su repertorio de mudanzas hasta que se agotaban sus figuras
o sus energías.

De contrapunto: bailado por dos hombres que se disputan la supremacía en la variedad,
agilidad, presteza y exactitud de las mudanzas.

Es danza varonil pero sobria. No admite saltos violentos o contorsiones exageradas o
acrobacias.

								
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