EL TEATRO DEL SIGLO XX: EL TEATRO DE POSGUERRA
[El teatro comercial.- El teatro renovador: Miguel Mihura y A. Buero
Vallejo. Teatro experimental.]
1. Introducción.
2. Teatro de la década de los 40: Rasgos generales:
El teatro comercial
3. El teatro renovador:
El teatro de humor: Jardiel Poncela [información secundaria] y Miguel Mihura.
El realismo social en el teatro.
El teatro de Antonio Buero Vallejo: temática, etapas, obras
principales.
Alfonso Sastre [información secundaria].
4. El teatro experimental de la década de los 60 hasta 1975:
Los vanguardistas: Fernando Arrabal y Francisco Nieva.
El teatro independiente.
5. Últimas dramaturgias [información secundaria].
1. Introducción.
La evolución del teatro español, como la de la narrativa y la lírica, está
determinado por la Guerra Civil y sus consecuencias. A partir de 1939, el
panorama escénico español quedó marcado por la aniquilación de
infraestructuras y por la muerte de alguna de sus figuras más relevantes (Lorca
y Valle) o el exilio de otras (Max Aub, Rafael Alberti).
2. El teatro comercial.
El teatro de posguerra cumplió básicamente dos funciones: entretener y
transmitir ideología por medio de distintas vías:
Negación del teatro más relevante de preguerra (Valle, Lorca...)
Estreno de obras que exaltaban a los vencedores.
Programación de autores clásicos.
Triunfa un teatro evasivo, como era la comedia burguesa, la comedia
fantástica, el teatro en verso de José Mª Pemán,
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La comedia burguesa. Fue una evolución de la alta comedia o comedia de salón, cuyo
precedente señero fue el teatro de Jacinto Benavente. Cumplió la función de entretener al
público y de educar mediante el elogio de la virtud. Se caracteriza por su perfecta
construcción y por su intranscendencia. Entre otros, sobresale el tema del amor, empleado
para exaltar a la familia, el matrimonio y el hogar, con fines moralizadores. Autores y obras
destacados: El testamento de la mariposa (1941) de Pemán; Cuando llegue la noche
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(1943), de Joaquín Calvo Sotelo ; Dos mujeres a las nueve (1949), de Luca de Tena.
La comedia fantástica, dramas con elemento de misterio y fantasía fue cultivada,
curiosamente, tanto en el exilio (así Alejandro Casona en La dama del alba) como en
España (José López Rubio en La venda en los ojos o Víctor Ruiz Iriarte en El landó de seis
caballos).
3. El teatro renovador.
Frente a este teatro comercial al gusto de la burguesía española, surge un
teatro renovador que apunta algunos cambios en el teatro de humor de los
primeros años de posguerra y que luego continuará con el realismo social de
Buero Vallejo y el teatro experimental de los 60.
3.1 . El teatro de humor.
Enrique Jardiel Poncela y especialmente Miguel Mihura renuevan el
teatro de humor. Ambos presentan facetas que se han considerado
precedentes del teatro del absurdo, al menos por la introducción de un humor
disparatado y poético.
Enrique Jardiel Poncela eligió en su teatro el camino de la evasión. Su
producción se caracteriza por la incorporación de lo inverosímil, con ingredientes
de locura y misterios. Los personajes pertenecen a la burguesía y aparece con
frecuencia el esquema criado/amo. Representan una sociedad cuyos objetivos son
el amor y el dinero. En los diálogos, se entremezclan el humor verbal y el de
situación. Obras: Eloísa está debajo de un almendro (1940), Cuatro corazones con
freno y marcha atrás (1936), Los ladrones somos gente honrada(1941).
Miguel Mihura rompe con el teatro cómico anterior en Tres
sombreros de copa (1932), estrenada 20 años después de ser
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Joaquín Calvo Sotelo, además de cultivador de la comedia ligera burguesa, es autor del drama de
denuncia más importante de su época La muralla (1954), sobre la hipocresía familiar ante un conflicto
provocado por la restitución de lo robado.
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escrita, lo que muestra su originalidad, pero por otro el
provincianismo de aquellos que provocaron su retraso, que se
escudaron en la falta de preparación del público. El teatro de Mihura
se caracteriza por: introducción en escena de elementos absurdos2,
diálogos aparentemente convencionales, pero inverosímiles,
mezcla de ternura y humor. Otras obras: El caso de la señora
estupenda (1953), Maribel y la extraña familia (1959).
3.2. El realismo social en el teatro: Antonio Buero Vallejo
En 1949, con el estreno de Historia de una escalera de Buero Vallejo3,
comienza el nuevo drama español, fundado en la necesidad del compromiso de
la realidad inmediata, en la búsqueda de la verdad y en la renuncia tanto a la
evasión lírica como al tremendismo ideológico. Nace un drama realista que se
consolida con la obra Escuadra hacia la muerte de Alfonso Sastre. A ellos se
unió otro grupo de dramaturgos como Martín Recuerda, Lauro Olmo o Carlos
Muñiz. De los autores más representativos hablaremos a continuación.
Antonio Buero Vallejo es la figura más representativa del teatro de la
posguerra española. Antiguo combatiente republicano, condenado a muerte
tras la guerra, Funda su teatro en la necesidad de la verdad, a la cual van
unidas la libertad y la esperanza. Buero es, ante todo, un trágico. Para él, la
tragedia es una mirada lúcida sobre el hombre y el mundo, pero no una
visión pesimista.
Sus obras sintetizan realismo y simbolismo, y en ellas opone personajes
contemplativos a personajes activos con relaciones conflictivas entre
ellos. Sus creaciones dramáticas giran en torno al anhelo de realización
humana y sus dolorosas limitaciones: la búsqueda de la felicidad, de la
verdad, de la libertad, se ve obstaculizada por la circunstancia concreta en
la que el hombre vive.
Podemos distinguir en su teatro tres épocas:
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El humor absurdo fue cultivado por el autor en la revista La Codorniz.
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Buero Vallejo fue combatiente republicano, condenado a muerte tras la guerra. Historia de una escalera
ve la luz al poco de salir de la cárcel.
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1. Primera época, desde 1947 hasta 1958. Predomina un enfoque
existencial y una estética realista. Historia de una escalera (1947),
muestra el drama de la frustración que sufren un grupo de vecinos
de clase media que ven como el tiempo arruina sus ilusiones y
encona sus rencores. Los protagonistas jóvenes, Fernando y
Carmina, se ven abocados a vivir las mismas vanas ilusiones que los
padres.
De esta primera época es también En la ardiente oscuridad (1950), una tragedia
desarrollada en un colegio de ciegos en donde la ceguera es símbolo de las limitaciones
impuesta al hombre por su condición humana y por la sociedad.
2. Segunda época, desde 1958 hasta 1970, predomina el enfoque
social e histórico. Se insiste más en las relaciones entre el
individuo y su entorno. Se hace hincapié en las raíces y en las
consecuencias sociales de los actos. Estéticamente, también se
supera la escenificación realista y se acentúa el valor simbólico de
algunos elementos escénicos (semisótano=caverna platónica) o
motivos (ceguera física = ceguera moral).
La obra más destacada es El tragaluz (1967), tragedia
ambientada en un semisótano donde una familia rota de clase media
repasa lo que significó para ella la guerra civil. En ese espacio afloran
las tensiones, frustraciones y rencores.
Escribe algunas obras de tema histórico en las que se sirve del
pasado para reflexionar sobre el presente, de esta forma consigue
burlar la censura y llegar a su público. Este teatro histórico es una
forma de «posibilismo»: denuncia indirecta de la realidad política de
la dictadura. Entre las obras de tema histórico destaca El concierto
de San Ovidio (1962), donde vuelve a uno de sus motivos favoritos,
la ceguera y su simbolismo, en el contexto de la época previa a la
Revolución Francesa.
3. La tercera etapa abunda en los temas y motivos ya conocidos, pero
los contenidos políticos y sociales se hacen más explícitos. Obras: La
fundación (1974), Lázaro en el laberinto (1986), Las trampas del azar
(1994).
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.Alfonso Sastre. El talante luchador de Sastre se observa en la serie de manifiestos para
la renovación del teatro que inició en 1950, cuando formó el Teatro de agitación social. En
su libro Drama y sociedad (1956) afirma que lo social es una categoría superior a lo
artístico. Frente al posibilismo de Buero Vallejo, encarnó la opción por un teatro más
explícitamente comprometido.
Con Escuadra hacia la muerte (1953), consiguió su proyección en el teatro español,
aunque la obra fuera retirada y prohibida después de su tercera representación. En ella,
unos soldados cumplen una misión suicida en una supuesta tercera guerra mundial. Fue,
en palabras del autor, un grito de protesta ante la perspectiva amenazante de una nueva
guerra mundial. El teatro de Sastre, que el denominó «tragedia compleja» es una mezcla
de elementos: didactismo marxista, libertad imaginativa y expresionismo y burla
corrosiva inspirada en el esperpento de Valle-Inclán. Otras obras suyas son La sangre y
la ceniza (1965) donde se escenifican los últimos momentos vividos por Miguel Servet,
muerto en la hoguera por la Inquisición calvinista, y. La taberna fantástica (1966)
,estrenada veinte años después, es una tragedia de “quinquis”, oficio nómada, marginal y
segregado socialmente.
4. El teatro experimental.
El teatro realista y social siguió siendo defendido, durante los años 60,
por un sector de la crítica, como el único que respondía a las circunstancias del
país. Pero a partir de 1970 otros dramaturgos se lanzan a una renovación
teatral. Se supera el realismo y se asimilan corrientes experimentales del teatro
extranjero:
El teatro épico. Inspirado en las ideas y la obra de Bertold Brecht. Se asume que el propósito de la
obra, más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad, era presentar ideas e invitar al público a
hacer juicios acerca de ellas. Los personajes no deben imitar a las personas reales, sino representar
los lados opuestos de un argumento, de arquetipos o estereotipos. El público debería siempre ser
consciente de que está viendo una obra de teatro, y debería permanecer a una distancia emocional
de la acción. Brecha escribió obras muy lúcidas sobre el nazismo como La irresistible ascensión de
Arturo Uí.
El teatro de la crueldad: es un movimiento teatral muy heterogéneo, inspirado en las ideas del
escritor francés Antonin Artaud, expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). La base en la que
se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores,
mediante situaciones impactantes e inesperadas.
El teatro del absurdo, denominación de una conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos
estadounidenses y europeos en los años '40, '50 y '60 del siglo XX, y en general al estilo teatral que
surgió a partir de la obra de aquéllos. Estos dramaturgos daban expresión artística al concepto
filosófico de Albert Camus de que la vida es inherentemente absurda. El teatro del absurdo se
caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de
secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. Entre los principales dramaturgos
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del teatro del absurdo se cuentan Eugène Ionesco (El rinoceronte) y Samuel Beckett (Esperando a
Godot).
Surge así una vanguardia teatral, que desecha el enfoque realista por
enfoques simbólicos o alegóricos. Entre estos dramaturgos vanguardistas,
podemos citar a Fernando Arrabal y a Francisco Nieva.
Fernando Arrabal. Muy influido por el teatro de la crueldad de Artaud crea
el llamado «teatro pánico», caracterizado por la confusión, el humor, el
terror y la euforia que se basa en la búsqueda formal, tanto espacial como
gestual, y en la incorporación de elementos surrealistas en el lenguaje.
Sus temas son la sexualidad, la religión, la política, el amor y la muerte.
Obras: Pic-Nic (1952), El cementerio de automóviles (1957).
Francisco Nieva denomina a sus obras «teatro furioso» conecta con el
teatro del absurdo, pero sin su pesimismo. Comparte con Arrabal, la idea de
un teatro catártico y liberador, cuya finalidad es mostrar la esencia del
hombre. En su obra, se plantea el problema de las relaciones entre el
hombre y la sociedad represiva que lo degrada. Tomando como base el
lenguaje popular, pero mediante técnicas del surrealismo y del absurdo,
consigue une estilo peculiar tanto en el léxico como en sus originales
construcciones sintácticas. No consiguió ver estrenada sus obras hasta la
muerte del dictador F. Franco en 1975. Su obra más destacada es Carroza
de plomo candente, estrenada en 1976.
El teatro independiente. Junto a estos autores vanguardistas, no
podemos olvidar un fenómeno importante que surge a finales de los 60: el
teatro independiente. Esta independencia suponía el rechazo del teatro
conservador mediante la elaboración de una estética peculiar y de la
autofinanciación. Destacan grupos catalanes como Els joglars o Els
comediants.
Estos grupos, con obras de autor o creaciones propias, han llevado a
cabo una síntesis entre lo experimental y lo popular. De una parte asimilan
las tendencias más innovadoras, de otra se dirigen a amplios sectores de
público, actuando en plazas, pabellones deportivos o en la calle. Y junto a
enfoques críticos, se preocupan por los aspectos lúdicos del espectáculo.
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5. Ultimas dramaturgias [opcional].
5.1. Hacia 1975 aparecen una serie de autores que abordan temas
contemporáneos con una estética realista y una moderada renovación formal.
José Sanchís Sinisterra, influido por Brecht y Beckett, plantea montajes caracterizados por la
sencillez. Entre sus obras, citaremos: !Ay, Carmela! (1986), en que reivindica la memoria histórica
como atributo de dignidad. Es un drama sobre dos artistas de variedades en plena Guerra Civil. Otras
obras son: Perdida en los Apalaches (1990), El lector por horas (1998) o La raya de pelo de William
Holden (2001).
José Luis Alonso de Santos, formado en el teatro independiente, desarrolla una dramaturgia
realista, situada en el mundo contemporáneo. Su comedia Bajarse al moro (1984) es una parodia de
la estructura social a través de situaciones cómicas y trágicas. Otras obras son: La estanquera de
Vallecas (1980), La sombra del tenorio (1994), Yonquis y yanquis (1996).
Fermín Cabal, proveniente también del teatro independiente, desarrolla en sus obras conflictos del
mundo contemporáneo planteados con ironía, humor y ternura. Con Castillos en el aire (1995),
aborda el tema de la corrupción política. Es una crónica de la generación de los 60, con sus
contradicciones, frustraciones y fracasos. Otras obras : Tú estás loco, Briones (1978), !Esta noche,
gran velada! (1983), Ello dispara ( 1990).
Fernando Fernán Gómez. Artista polifacético, escritor, actor, director de cine, publica en 1982 Las
bicicletas son para el verano, agridulce visión de la retaguardia republicana durante la guerra civil.
Otros autores más jóvenes: Ignacio del Moral (La noche del oso, sobre jóvenes urbanos
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marginados o La mirada del hombre negro , sobre el racismo); Paloma Pedrero (Cachorros de negro
mirar, sobre la violencia neonazi); Ernesto Caballero (Tierra de por medio sobre la especulación
inmobiliaria). Albert Espinosa (Los pelones sobre el cáncer infantil)
5.2. Teatro visual
Es la vanguardia del teatro actual. Muy influido por autores como Tadeusz Kantor o
Pina Bausch. Sus características son:
Integración de todas las artes en el espectáculo (mimo, danza, video,
música…)
El espectáculo teatral se concibe al margen de un texto previo.
Intencionalidad crítica y catártica. Se rompe la relación tradicional actor-
espectador. Este se ve inmerso y participa en la representación.
Uno de los grupos más representativo de las última tendencias es La Fura des Baus.
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Esta obra inspiro la película de Imanol Uribe Bwuana.
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